Bøger udgivet af König, Walther

In the exhibition "Oltre Terra. Why Wool Matters" the multidisciplinary design studio Formafantasma investigates the history, ecology and global dynamics of the extraction and production of wool. A wide range of artworks, agricultural and cultural objects, photographs, videos, and other materials shows how wool is more than simply a raw material for the design and textile industries. The domestic sheep as we know them today evolved over the course of hundreds of years. Humans gave sheep food and protection from predators and got wool in return - a material with magical properties that profoundly altered the course of both human and animal history. The wider installation of Oltre Terra is a critical take on the display mode of the diorama. Commonly used in natural history museums to represent a static scene from nature, here the diorama is exploded into an installation that contains six life-size reproductions of different sheep breeds, a carpet made from discarded wool fibers, as well as documents, films, by-products of manufacturing processes and various types of organic matter. All the elements are presented side by side to counteract persisting categorizations that separate human from animal and product from biological matter. Ed.: Kristian Wikborg Wiese, Marianne Yvenes.

Der Katalog betrachtet anhand von 89 Werken das OEuvre Eduardo Chillidas und zeigt seine künstlerische Entwicklung und Formensprache auf. Neben seinen Skulpturen und einige öffentlichen Arbeiten liegt der Fokus vor allem auf den hängenden Papierarbeiten des Künstlers - den "Gravitationen". Der in San Sebastián geborene baskische Künstler gilt als Meister der abstrakten Skulptur und zählt zu den bedeutendsten Bildhauern des 20. Jahrhunderts. Bekannt geworden ist er als Bildhauer der Monumentalplastik im öffentlichen Raum. Seine tonnenschweren Stahlskulpturen prägen öffentliche Plätze, Landschaften und Parks.Text: Ignacio Chillida, Mikel Chillida, Sir Peter Murray CBE, Florian Steininger.

The aim for this book is for it to become a reference in the ongoing debate about spaces of learning and education: it presents contributions from experts in the relevant fields, along with the research underlying the project, select case studies and testimony of the iterations of this initiative in France, Portugal and Belgium. It cements the optimistic view shared by the project's participants over the years: the believe that public education is a foundation of contemporary Europe, and that the right architectural and design solutions really can enhance and multiply its power.

In this book, an interplay unfolds between Candida Höfer's 2023 photographs of the Semper Oper and selected pictures from Staatliche Kunstsammlungen Dresden, offering both deep insights into Höfer's artistic practice and a reflection on the artistic representation of space.At once artist's book and exhibition catalogue, this publication is both an exploration of Candida Höfer's artistic practice and the contexts in which this practice takes place. In 2023, Höfer photographs in Dresden's Semperoper: spaces of rehearsal, storage, performance, strolling and working in the opera house become a lens that reflects the view of the context of Staatliche Kunstsammlungen in the Kupferstich-Kabinett as a place of research, collecting, archiving, exhibiting and working. The focus is on the period from the mid-16th century to the invention of photography in 1839 and includes woodcuts, engravings and etchings by Albrecht Dürer, Daniel Hopfer and Giovanni Battista Piranesi, among others.Text: Jane Boddy, Doreen Mende.

"Wie ein Hund!" sagte er, es war, als sollte die Scham ihn überleben. Mit diesem Satz beendet Franz Kafka seinen Roman "Der Prozess" und benennt ein zentrales Thema seines Schaffens: Die Scham. Sie und viele andere mit dem Werk Kafkas verbundene Themen haben den Schriftsteller tatsächlich überlebt und als "kafkaesk" eine allgemeingültige und immerwährende Eigenständigkeit erlangt. Dort, wo Angst, Verzweiflung, unheimliche und klaustrophobische Verhältnisse, bürokratische Enge sowie Machtmissbrauch herrschen, wird oft eine gedankliche Brücke zu Kafka geschlagen. Daraus haben viele Künstler*innen, die im Zentrum der Ausstellung stehen, wichtige Impulse erhalten. In diesem Katalog werdenPositionen der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts zusammengefasst, die sich explizit oder implizit auf Kafka beziehen. Figuren aus Erzählungen und Romanen von Franz Kafka führen die einzelnen Themen ein: Der Offizier aus der "Strafkolonie", Gregor Samsa aus der "Verwandlung", Karl Rossmann aus "Der Verschollene", der Landvermesser K. aus dem "Schloss", das namenlose Tier aus dem "Bau" und natürlich Josef K. aus dem "Prozess".Der Katalog sprengt dabei die bildungsbürgerliche Kafka-Rezeption und richtet sich an ein breites Publikum. Comics führen niedrigschwellig in die Thematik ein und zeigen unterschiedliche Facetten der einzelnen Protagonisten aus Kafkas Schriften.Ed.: Helena Pereña. Künstler*innen:da Applebroog, Louise Bourgeois, Berlinde De Bruyckere, Janet Cardiff & George Bures Miller, David Claerbout, Robert Crumb, Robert Gober, Rodney Graham, Andreas Gursky, Mona Hatoum, Roni Horn, Teresa Hubbard / Alexander Birchler, Tetsuya Ishida, Sebastian Jung, Franz Kafka, Konrad Klapheck, Alfred Kubin, Maria Lassnig, Via Lewandowsky, David Zane Mairowitz, Margot Pilz, Paula Rego, Germaine Richier, David Rych, Anri Sala, Heidrun Sandbichler, Thomas Schütte, Chiharu Shiota, Michael Sommer, Ignacio Uriarte, Maja Vukoje, Jeff Wall, Franz Wanner, Cathy Wilkes

Lebenslust und Lebensenergie in Berlin, in Bildwelten abseits touristischer Phantasien, die sich ohne Scheu aus "High" und "Low" Kultur bedienen.Maximilian Kirmses Bildwelten erzählen von der Lebenslust und Lebensenergie Berlins, fern touristischer Großstadtphantasien, die vom alten glamourösen Westen, von schlafwandelnden Party-People in Mitte oder von coolen Hipstern in der gentrifizierten Stadtlandschaft am Prenzlauer Berg träumen. Seine Zeichnungen und Malereien greifen das unaufgeregte Leben im eigenen Kiez auf, stilistische und ästhetische Elemente der "High"- und der "Low"-Kultur treffen in Kirmses Werk aufeinander, zum Teil scheinen seine Motive der Comic-Kultur entsprungen zu sein. Nicht zuletzt leuchtet in seinen Tableaus das Lebensgefühl eines Fin de Siècle auf.Text: Fid. Fischer, Michael Hering, Anna Herms, Olga Hohmann, Kevin Kemter, André Simonow, Stefan Wartenberg.

Gino De Dominicis: A Reader casts new light on the elusive Italian artist Gino De Dominicis, whose belief that artworks may provide a valuable model for achieving the immortality of the body inspired his entire life and oeuvre. A culmination of Gabriele Guercio's extensive research, the book features a selection of texts, archival materials and images. It is the first English reader to include not only the reflections of De Dominicis, but also an impressive collection of essays and interviews penned by a wide range of artists, art historians, critics and curators, including Marina Abramovic, Jean-Christophe Ammann, Achille Bonito Oliva, Norman Bryson, Germano Celant, Anselm Kiefer, Richard Shiff and Italo Tomassoni.Text: Gabriele Guercio, Gino De Dominicis Andrea Bellini , Germano Celant, Laura Cherubini, Duccio Trombadori, Federica Negroni Manzini, Domitilla S. Delfino, Miriam Mirolla, Claudia Koll, Franco Fanelli, Adriana Polveroni, Ela Caroli, Andrea Cortellessa Ombretta Celeste, Octavia Stocker, Creighton Gilbert, Marco Senaldi, Jean-Christophe Ammann, Norman Bryson, Giovanni Pettinato, Achille Bonito Oliva, Richard Shiff, Anselm Kiefer, Luigi Ontani, Marina Abramovic, Daniel Buren, Joseph Kosuth, Jannis Kounellis, Emilio Prini

Broncia Koller-Pinell war wie nur wenige Künstlerinnen im internationalen Ausstellungsbetrieb der Wiener Moderne präsent. Bereits mit 27 Jahren zeigte sie Bilder im Wiener Künstlerhaus. Ihre größten Erfolge feierte sie in der von Gustav Klimt gegründeten Kunstschaugruppe. Mithilfe der Einbeziehung des künstlerischen Umfelds von Broncia Koller-Pinell lässt sich ihre stilistische Entwicklung vom Impressionismus der Münchner Schule des späten 19. Jahrhunderts bis zu den neusachlichen Tendenzen der 1920er-Jahre nachvollziehen. Wechselwirkungen und Einflüsse werden anhand von Gemälden und Grafiken von Künstler*innen wie Robin Christian Andersen, Anton Faistauer, Albert Paris Gütersloh, Carl Hofer, Koller-Pinells Tochter Silvia Koller, Koloman Moser, Egon Schiele, Heinrich Schröder und Franz von Zülow dargestellt. Auch die Rolle als Mäzen*innen, die Broncia Koller-Pinell und ihr Mann Hugo Koller einnahmen, wird hier thematisiert.Ed.: Katharina Lovecky. Text: : Stephanie Auer, Julie M. Johnson, Alexander Klee, Wolfgang Krug, Katharina Lovecky, Stella Rollig, Franz Smola.

Was tut sich in der österreichischen Kunstszene, in den Ateliers und den alternativen Ausstellungsräumen? Und wie lässt sich die Vielfalt der Produktion und Präsentation von Kunst in einer Ausstellung darstellen? Der Katalog umfasst 44 künstlerische Positionen sowie 23 von Projekträumen kuratierte Ausstellungen-in-der-Ausstellung. Der Blick wird auf das gerichtet, was heute Kunst sein kann, auf Themen, Ästhetiken, Ausdrucksformen und darauf, wie Kunst wahrgenommen wird.3 Bände, durch die Bindung miteineinander verschränkt.Ed.: Luisa ZiajaText: Christiane Erharter, Andrea Kopranovic, Ana Petrovic, Claudia Slanar, Luisa Ziaja.

Anfang 2014 schenkte mir mein Vater eine Polaroid-Kamera, die schon seit Jahren ungenutzt in seinem Büro herumlag und eigentlich weggeworfen werden sollte. Die Polaroid Macro 5 war ursprünglich für die Zahn- und Tatortfotografie gedacht, aber meine eigene Verwendung für das klobige Gerät war zunächst unklar. Im Laufe der nächsten Monate kristallisierte sich durch Experimentieren und Ausprobieren nach und nach eine mögliche Verwendung heraus. Die Kamera erwies sich schnell als fähig, ein Gefühl einzufangen, das in einigen meiner (damals) früheren Bilder vorhanden war, die ich am meisten mochte, die ich aber nicht ohne weiteres nachstellen konnte. Die früheren Bilder hielten gewöhnliche Materialien oder Motive fest, aber die Bilder wirkten schwer fassbar und abstrakt - verwandelt durch die Inszenierung, den Rahmen und den Prozess des Fotografierens.

An artistic tour de force through the history of capitalism, EUPHORIA asks the question of why there still doesn't seem to be an alternative to this economic system today. Drummers set the beat, a choir sings: the visually rich collage of texts quoting Adorno, Einstein, Virginie Despentes, Michel Houellebecq and Snoop Dogg becomes a veritable opera of film. We enter a bank lobby with employees in a frenzy of equity and dance; take a taxi ride with Giancarlo Esposito through an explosive New York; hang out with philosophising homeless people around an oil-drum fire in Kyiv, and with labourers working on a parcel warehouse conveyor belt; we listen to young skateboarders in an abandoned bus depot, and follow an animated tiger with the voice of Cate Blanchett through a deserted supermarket."EUPHORIA's focus is on the dynamics of capitalism, or more precisely, the unleashed neoliberal market economy with its historic, social, and political entanglements," Julian Rosefeldt says about capitalism's ubiquity. "Paradoxically, to be able to produce a work critical of capitalism, I repeatedly had to submit myself to the logic of the system. The so-called system in which we live and that we like to point a critical finger at is also all of us."Text: Jeff Wood. Poems: Bonnie Prince Billy.

an Flavin began work with fluorescent light tubes from the early 1960s on; arranged in so-called 'situations', he would then further develop them into series and large-scale installations. The colours and dimensions of the materials he used were prescribed by industrial production. Flooded in light, viewers themselves become part of the works: The space, along with the objects within it, are set in relation to each other and thus become immersive experiences of art triggering sensual, almost spiritual experiences. Flavin liberated colour from the two-dimensionality of painting. The catalogue places emphasis on looking at Flavin's oeuvre in a less familiar setting: His pieces, although initially without clearly recognisable signature, frequently make reference in their titles to concrete events, such as wartime atrocities or police violence, or are dedicated to other artists - as in the work untitled.Text: Text: Aden Kumler, Simon Baier, Elena Degen, Jules Pelta Feldman, Josef Helfenstein, Aden Kumler, Daniel Kurjakovic, Arthur Fink, Olga Osadtschy, Mechtild Widrich.

Gonzalez-Foerster works experimentally. Engaging with the exhibition as a medium, her spatial inventions and investigations probe the notion of display, as well as how an image or scene is experienced. Drawing on wide-ranging references from music, literature, film, architecture and pop culture, the artist creates densely layered environments with the ability to transport viewers into alternative narrative, temporal and psychological dimensions.Alienarium 5 is a speculative environment that invites us to imagine possible encounters with extraterrestrials. The catalogue is a culmination of her decades-long interest in science fiction and continued research into deep space and alien life. Conceived site-specifically for Serpentine, the exhibition will feature almost entirely new work that engages both the gallery's internal and external space.Ed.: Tatiana Kontou, Hans Ulrich Obrist, Dominique Gonzalez-Foerster.

The taste of Studio Jeppe Hein des Künstlerpaars Silke und Jeppe Hein ist kein typisches Kochbuch, ebenso wenig wie ein reines Kunstbuch. Neben Rezepten aus der Studio-Küche, gibt es einen exklusiven Einblick in das Atelier und die Kunst, die dort entsteht. Fotos von Kunstwerken, dem Studioleben und von Ausstellungsprojekten mischen sich mit Fotos von Zutaten, dem Dachgarten, der Küche und dem gemeinsamen Mittagessen. Die KünstlerInnen Sophie Kitching, Jose Dávila, Lilibeth Cuenca Rasmussen und Anselm Reyle realisierten jeweils ein eigenes Künstleressen. Der Autor und Philosoph Finn Janning trägt mit The Philosophy of the Saucepan bei. Das Buch illustriert Silke und Jeppe Heins große Leidenschaft für Kunst und Kochen und zeigt, welche wichtige Rolle das gemeinsame Essen in ihrem Leben und ihrer Arbeit spielt. Text: Siobhan Dammert, Jose Dávila & Santiago Moro, Catharina Förster, Silke & Jeppe Hein, Finn Janning, Sophie Kitching, Wiebke Petersen, Lilibeth Cuenca Rasmussen, Anselm Reyle, Ingo Tolkmitt, Selina Welke.

Starting from found thermal camera recordings, the filmmaker and artist Stefan Kruse (b. 1987) made his experimental, essayistic documentary film A Lack of Clarity (2020). This book, titled after the film, transposes Kruse's dream-like documentary from screen to page. The resequencing of film stills and subtitles presents an alternate view into the social control mechanisms and evolving digital technologies that face an expanding field of what is visible (and controllable) in the contemporary city. A Lack of Clarity, designed and edited in close collaboration with Kruse, includes 200+ stills from the film, as well as essays by Volker Pantenburg and Rémi Lauvin.

How We Hold: Rehearsals in Art and Social Change is an invitation to arts educators, facilitators, organisers and those who are interested in working collectively with others, who want to use creative practice to work towards change, through personal and social transformation. Designed to be used both within organisations and as a tool to critique them, How We Hold supports dissenting and oppositional conversations, and offers pragmatic challenges to neoliberal and colonial models of education and administration still found in museums, arts organisations and other institutions today.Ed.: Layla Gatens and Jemma Egan.

Bruno Pacheco has immersed himself in the medium of painting for nearly 30 years, during which time he has worked across innumerable subjects and styles. Fluidity is central to his approach. This fully-illustrated monograph is the largest on the artist's work to date.Text: Jennifer Higgie, Barry Schwabsky, Anthony Spira.

The book to be released in conjunction with Tishan Hsu's exhibition recent work 2023 contains an essay by Laura Brown that reconstructs the creative techniques he has devised and honed over the past four decades and turns the spotlight on the early 2000s as a watershed moment when digital image editing programs suddenly produced within seconds many of the effects Hsu had anticipated. In a conversation with Martha Schwendener, Hsu dwells on the early years of his career and discusses his great theme: the fusion of body and technology in an increasingly virtual world.As a creative intervention, Hsu has produced a mutating series of eight title images for the downloadable version of the book. The printed dust cover, which exists only in the analog version, features all eight motifs, like a preprinted sleeve for collectible cards, complete with the exact period during which they can be downloaded from the web.

Charlie Prodger works across moving image, writing, sculpture, drawing and printmaking. Through the prism of queer subjectivity, her work explores intertwined relations between the body, landscape, language, technology and time. To accompany her exhibition and the presentation of the complete film trilogy-Stoneymollan Trail, BRIDGIT, and SaF05-a book with a substantial essay by Sarah Hayden is released in Secession's publication series. The London-based author and professor of literature and visual culture analyzes the significance of voice and voiceover in Prodger's video works. For the book, the artist has created a series of image pairings of production photos and video stills from the final part of the trilogy, SaF05.

Giancarlo de Carlo besuchte Urbino zum ersten Mal 1951, um das Büro des Rektors der Universität zu renovieren. Dies war der Beginn einer lebenslangen Beschäftigung in dieser kleinen Stadt, in der er in den nächsten fünf Jahrzehnten weiterarbeitete. Dieses Buch ist Teil der Reihe "Everything without Content" und stellt Arbeiten vor, die Giancarlo de Carlo in den 1960er und 70er Jahren in Urbino verwirklichte, während er sich gleichzeitig an den Debatten des Team 10 beteiligte, das die modernistischen Doktrinen über Architektur und Städtebau in Frage stellten. Acht Gebäude in diesem Buch werden anhand von Zeichnungen von Studenten der Akademie für Architektur USI, Mendriso, und Fotografien von Stefano Graziani vorgestellt.

Movement Notation is considered the first publication of the "Eshkol-Wachman Movement Notation" (EWMN), developed by Noa Eshkol and Abraham Wachmann. With this polyphonic notation system, Eshkol and Wachmann centered dance on its basic element: the movement of the human body. They treated the different parts of the body as separate instruments, similar to the musical instruments of an orchestra - each with its own rules for performing movement. This new edition of the 1958 publication is supplemented with contributions from Eshkol's collaborators and additional archive material, which contextualizes and expands on the genesis of the EWMN and embeds it in contemporary discourses on dance and movement.Ed.: Krist Gruijthuijsen. Text: John G Harries, Michal Shosani and Humi Einbinder, Mor Bashan and Dror Shoval.

Als ein Pionier des Neoexpressionismus der 1980er und ein Künstler, der den als Neue Wilde bekannt gewordenen Malern wichtige Inspirationen lieferte, ist Hödicke am besten für seine mehrfarbigen Darstellungen von Berlin bekannt, in denen Menschen, Landschaften und Architektur eine fast folklorehafte Qualität erlangen. Der Katalog dokumentiert circa 40 zwischen Mitte der 1960er und 1990er geschaffene Gemälde und Skulpturen, darunter Werke, in denen Hödicke Westberlin zur Zeit der Teilung porträtiert.Text: Hans Ulrich Obrist.

Grace Weaver spends July to September 2022 in Morocco. She is not only curious to retrace what Matisse, Bacon und Beckett experienced but also to explore the foreign impacts on her artistic work. A brilliant series of 105 collages comes into being, created during all stages of the trip and drawn only with scissors. The collages present women, each seen in her own way and equally interwoven with her ornamental surroundings. Glued into one, traditional Moroccan patterns and ornaments blend with Western brand names and logos, Arabic writing clashes with colonial French and English. This decorative trait defines the spaces, in which Weaver's women reside. The scissors, in turn, transform everything into an ornament. The lavishly designed book presents the collages as elaborate facsimiles and, completed by Eric Degenhardt's travel photographs, allows us to immerse ourselves, as Grace Weaver's women do, in unending ornamental intricacies.Gespräch zwischen Eric P.S. Degenhardt und Grace Weaver.

Salon No. 24 enthält eine Sammlung von Bildessays (speziell für Salon gemacht) von Jonathan Bragdon, Karlheinz Deutzmann, Stephan Hörnig, Gunther Keusen, Karin Kutsch, René Luckhardt, Claudia Mann, Franziska Reinbothe, Wolfgang Schäfer, Helmut Schweizer, Susanne S.D.Themlitz, Ruth Weber

Nora Schattauer hat für ihre Ausgabe der Edition Ex Libris "Werner's Nomenclature of Colours" ausgewählt und mit einem eigenen Schutzumschlag versehen. Außerdem liegt dem Reprint ein von der Künstlerin gestalteter farbiger Pigmentdruck alspersönliches Ex Libris bei.

Tremulations präsentiert Objekte aus dem Archiv des Swedenborg-Hauses sowie Schriften und Kunstwerke u.a. von Marcel Duchamp, Meret Oppenheim, Yayoi Kusama und Apichatpong Weerasethakul. Die Publikation stellt die Orthodoxien des institutionellen Kuratierens in Frage und nimmt dabei wenig Rücksicht auf die traditionellen Formen der Kategorisierung der Welt. Sie kombiniert Elemente aus dem Archiv des Swedenborg-Hauses, darunter die Ohrknochen des Mystikers Emanuel Swedenborg, mit Werken der modernen und zeitgenössischen Kunst und Literatur. Der Katalog ist nach Swedenborgs "Neun Regeln der Tremulation" gegliedert und wird in Kapiteln unterteilt, die sich im physischen, zeitlichen und virtuellen Raum des Swedenborg-Hauses manifestieren. Swedenborgs Regeln sind ein Schema, um historische und zeitgenössische Formen der Verbreitung und Übertragung zu erforschen: Spiegelbilder, Träume, Reflexionen, divinatorische Visionen, Phantasien, Erinnerungen, Prophezeiungen und Halluzinationen sowie filmische Projektionsformen, die sich älterer Vermittlungstechnologien als Fernsehen und Video bedienen, sowie postkinematische und virtuelle Formen: The Bridge von Mark Leckey; Hilma af Klint: The Temple und It will End in Stars von Nathalie Djurberg & Hans Berg.

Dieses bemerkenswerte Projekt war eine Initiative von vier Sammlern aus Wien, die in einer ehemaligen Galerie im Zentrum Wiens aus ihren Beständen sehr persönlich ihre eigene Franz West-Ausstellung organisierten. Mit über 400 Werken aus allen Werkgruppen des Künstlers entstand die bisher umfassendste Einzelausstellung des Künstlers, die es je gab. Die Ausstellung, die ursprünglich nur für den privaten Rahmen gedacht war, musste wegen den zahlreichen Medienberichten, dem großen Interesse aller Franz West-Fans und der Neugierde der Passanten der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden. Der unmittelbare Zugang zu den Werken war im Gegensatz zu Museen erlaubt und gewollt. Alle Sofas, Liegen und Sessel konnten benutzt werden. Die Passstücke durften unter Aufsicht verwendet werden. Ed.: Heinz Neumann und Gernot Schauer. Text: Thomas Trummer, Andrea Überbacher, Peter Packesch, Robert Fleck, Heimo Zobernig.

MUSIK VERWANDELT SICH UNMITTELBAR IN RAUM - eine Vision von der schon das antike Griechenland träumte. Dieses künstlerische Leitmotiv verfolgte Thomas Stammer seit seinem Projekt "9.81 - Musik und Architektur". Im Jahr 2001 führte eine Begegnung mit Michael Wertmüller in Los Angeles zur Idee der dreidimensionalen Musikvisualisierung. Fast zwanzig Jahre später, gab der Künstler Albert Oehlen zusammen mit Rainald Götz den Impuls für das Opernprojekt. Daraus entstand die Konzeption der JETZTSCHEIBE für die Aufführung der Oper D . I . E bei der Ruhrtriennale im September 2021.Die JETZTSCHEIBE präsentiert eine bewusst heterogene Sammlung von Texten, E-Mails mit ersten Ideen, Konzepten, Arbeits-berichten, Essays, Fotografien und Grafiken, mit der Grundidee die Tiefenschichten der Zeit zu erforschen und zu gestalten. Gesamtkonzeption der Oper und die Entwicklung der musikalischen Visualisierung. Das zweite fotografische Leporello ist eine künstlerische Umsetzung des Raumkonzepts der Oper für das Buchmedium, das die Lichtskulpturen und die Ensembleperformance in einem 360-Grad-Raum präsentiert.Das Buch JETZTSCHEIBE bietet den Lesern einen inspirierenden Einblick in dieses faszinierende Konzept und will zu weiteren Entwicklungen für die Musikvisualisierung beitragen.

Johannes Wohnseifer kombiniert in seiner Ausgabe der carte blanche Zeitungsfotos aus dem Jahre 1973, die einen Banküberfall in Stockholm dokumentieren. Darüber gelegt sind Kleideretiketten internationaler Modemarken.

Eine bislang unveröffentlichte Bilderserie mit dem Titel "DUNST" stand zentral in der Ausstellung "UND JETZT ... Holger Bunk" in der Städtische Galerie Villingen-Schwenningen 2023, zu der dieses Künstlerbuch mit großformatigen Risographien erschienen ist.Der Text von Stephan Rößler (deutsch, englisch) beschreibt Motive und Entstehung dieser Serie zu Texten von Marcel Proust und Jorge Louis Borges über Phänomene des "Verschwindens" und "Auflösens". Der in einem in Offset gedruckte Buchteil dokumentiert darüber hinaus die Ausstellungsräume mit Werken Bunks.