Bøger udgivet af Hirmer Verlag

Play Life Illusion - die Retrospektive in Buchform greift den Titel einer Performance auf, die Xanti Schawinsky 1936 mit Studierenden am Black Mountain College entwickelte. Der Schweizer war am Bauhaus in Weimar und Dessau tätig und emigrierte in den 1930er Jahren über Italien in die USA. Der Band versammelt autobiografische Texte und Briefe zum Lebenswerk des multimedialen Bauhäuslers, Künstlers und Gestalters.In seiner Zeit am Bauhaus lernte Xanti Schawinsky, dass es möglich ist, zugleich Künstler und Gestalter zu sein, wenn die Lust und Freude am Experiment nur groß genug ist. So entdeckt er sich als Bühnen- und Ausstellungsgestalter, Maler und Grafiker, Pädagoge und Fotograf immer wieder neu. Er findet Freunde, Verbündete und Mitstreiter, zu denen neben Bauhäuslern wie Walter Gropius oder Herbert Bayer auch Avantgardisten wie Marcel Duchamp gehören. Schriften, begleitende Erläuterungen und anschauliche Bebilderung lassen ein Leben und eine Ära wiedererstehen.

Um 1900 entdeckten Edvard Munch, Käthe Kollwitz und ihre Zeitgenossen die gotische Kunst als kraftvolle Inspirationsquelle für ihre eigene Arbeit. Ihre Begeisterung für Werke aus den deutschen Landen und Nordeuropa setzte Energien für kreative Experimente einer modernen Kunst jenseits aller Nationalgrenzen frei und beschwor so eine neue "gotische Moderne" herauf.Was macht gotische Kunst aus dem 12. bis 15. Jahrhundert modern? Mit dieser Frage befasst sich das reich illustrierte Buch am Beispiel des stark prägenden Einflusses mittelalterlicher Gotik auf die Kunstentwicklung um 1900. Das versunkene Zeitalter der Gotik erscheint den Kunstschaffenden in Figurensprache, Motivik und expressiver Ausdruckskraft als modern, als richtungsweisend für die eigene Kunst. Diese Sichtweise inspiriert von den 1870er- bis zu den 1920er-Jahren eine ganze Generation zum Schaffen neuartiger Bildwelten, in die aktuelle Fragestellungen von Künstlertum, geistigem Eigentum, moderner Gesellschaft, Sexualität, Spiritualität und Identität einfließen.Künstler:innen:Joseph Alanen, Hans Baldung Grien, Ernst Barlach, Max Beckmann, Karl Bennewitz von Löfen, Fritz Boehle, Dirk Bouts, Arnold Böcklin, Gustav Carus, Lovis Corinth, Lucas Cranach the Elder, Otto Dix, Albrecht Dürer, James Ensor, Lyonel Feininger, Akseli Gallen-Kallela, Matthias Grünewald, Ernst Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Theodor Kittelsen, Max Klinger, Käthe Kollwitz, Lowis Korinth, Georges Lacombe, Eugène Laermans, Théophile Lybaert, Karel Masek, Constantin Meunier, Georges Minne, Paula Modersohn-Becker, Edvard Munch, Ejnar Nielsen, Emil Nolde, Karl Nordström, Prins Eugen, Arthur Roessler, Tyko Sallinen, O. R. Schatz, Helene Schjerfbeck, Sascha Schneider, Hugo Simberg, Max Slevogt, Agnes Slott-Möller, Harald Slott-Møller, Gustav Adolph Spangenberg, Carl Spitzweg, Marianne Stokes, Henrik Sørensen, Hans Thoma, Gustave van de Woestyne, Vincent van Gogh, Emanuel Vigeland, Gustav Vigeland

Mit fantastischen, radikal subjektiven Motiven revolutionierte der Surrealismus die Kunst. Als politische und internationale Bewegung wollten die Künstlerinnen und Künstler Gesellschaften verändern. Die Aktualität ihrer Ideen zeigt die spannende Gegenüberstellung bedeutender Surrealistinnen und Surrealisten der ersten Stunde mit nachfolgenden Künstlergenerationen.Das für den Surrealismus charakteristische Hinterfragen des eigenen Bewusstseins rückt in einer zunehmend technologisierten Welt wiederholt in den Fokus. Welche Auswirkungen haben Technologien auf unsere Gesellschaft? Was macht uns als Menschen aus? Themen wie Identitätssuche, Irrationalität oder das Spiel mit der Wahrnehmung finden sich bei René Magritte oder Claude Cahun ebenso wie bei David Lynch oder Cindy Sherman. Rund 120 hochkarätige Gemälde, Fotografien, Filmsequenzen, Collagen und Skulpturen ermöglichen einen spannenden Gang durch hundert Jahre surreale Welten.KÜNSTLER*INNENHANS BELLMER, LUIS BUÑUEL, MARCO BRAMBILLA, CLAUDE CAHUN, GEORGE CONDO, SALVADOR DALÍ, MARCEL DUCHAMP, MAX ERNST, ALFRED HITCHCOCK, SARAH LUCAS, DAVID LYNCH, RENÉ MAGRITTE, JOAN MIRÓ, MERET OPPENHEIM, TONY OURSLER, MAN RAY, CINDY SHERMAN, PENNY SLINGER, DOROTHEA TANNING, ERWIN WURM

Der Maler, Zeichner und Grafiker Paul Rotterdam (geb. 1939) ist der Österreicher unter den Künstlern in der New York School, die das Potenzial im Projekt der reinen Abstraktion auf verschiedene Weise radikal ausschöpften. Ende der 1960er Jahre ging er in die USA, um sich theoretisch mit den Entwicklungen vertraut zu machen und sie in eigenen Werken praktisch zu realisieren.Mit aller Konsequenz geht Rotterdam bei seiner Suche nach Ausdruck des Universalen zu Werk. Ausgangspunkt sind ihm die Theorien der Klassischen Moderne, das Postulat der freien Form à la Kandinsky auf der einen Seite des Spannungsbogens, das der Formstrenge eines Piet Mondrian auf der anderen. Seine Bilder erzeugen eine Gegenständlichkeit von eigener Realität. Längst hat sich Rotterdam in die Natur zurückgezogen, um sich im Dialog mit ihr durch seine Kunst zu verständigen. Das Buch präsentiert einen Künstler, dessen karge Bilder Erlebnisse des Wesentlichen sind.

Monet (1840–1925) kehrte der Tradition den Rücken, als er 1867 vom Balkon des Louvre aus das pulsierende Leben von Paris in den Blick nahm. Ihn faszinierte die Gegenwart der wachsenden französischen Hauptstadt mehr als die Alten Meister. In einer Serie von drei Gemälden schuf er ein neues Bildthema. Die Hauptwerke aus Berlin, Den Haag und Oberlin treffen in Ausstellung wie reich bebildertem Buch aufeinander.Monets Ansichten von Saint Germain l’Auxerrois, dem Jardin de l’Infante und dem Quai du Louvre gelten als früheste impressionistische Stadtansichten überhaupt. Er wirft damit einen völlig neuen künstlerischen Blick auf die moderne Großstadt im Umbau unter Haussmann, die Künstler wie Caillebotte und Pissarro zu eigenen Stadtansichten inspirierte. Ein neues Sujet war geboren, das der Band am Beispiel von Monets Hauptwerken sowie Bildern namhafter Künstler des Impressionismus und Postimpressionismus in aller Schönheit vor Augen führt.KÜNSTLER CLAUDE MONET SOWIE GUSTAVE CAILLEBOTTE, JOHAN BARTHOLD JONGKIND, MAXIMILIEN LUCE, HENRI MATISSE, CAMILLE PISSARRO

In einer Zeit wie der unseren, in der eine junge Generation unsere Lebens- und Denkweisen und die Organisationsformen unserer Gesellschaft hinterfragt, ist die Künstlergruppe Die Brücke topaktuell. Vier junge Künstler im Deutschen Kaiserreich wollen Kunst und Leben neu denken und inspirieren in leuchtend-emotionaler Bildsprache Künstlergenerationen bis heute.Wie lassen sich Emotionen wiedergeben? Wie haben die Brücke-Künstler zusammengearbeitet, sich vermarktet, ihre Plakate und Bücher gestaltet, ihre Wander-Ausstellungen organisiert? Der Band befasst sich ganz praktisch mit den Strategien der Gruppe wie ihrer Inspiration bei afrikanischem und ozeanischem kolonialem Kulturgut und blutjungen Mädchen als Modellen. 200 Gemälde, Skulpturen, Arbeiten auf Papier aus dem Brücke-Museums Berlin begegnen uns in strahlenden Farben und reduzierter Form sowie in aktuell diskutierten Themen.Künstler:Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff

Mündliche Überlieferungen und Erinnerung sind zentrale Pfeiler der afrikanischen Kultur. Die Publikation geht der Frage nach, wie diese Narrative in der Kunst der Subsahara-Region sichtbar werden. Erstmalig wird dabei die Überschneidung von Kunstwerken und Erzählungen quer durch verschiedene Genres, Kulturen, Epochen und Formen betrachtet.Wie trägt die afrikanische Kunst Erzählungen und Motive, die tief im kollektiven und individuellen Gedächtnis und Wissen verwurzelt sind, fort? Um dies aufzuzeigen setzt der Band Werke, die vom 13. bis 20. Jahrhundert in Afrika entstanden, in Dialog mit zeitgenössischen Arbeiten afrikanischer Künstler*innen aus aller Welt. Mehr als 200 Kunstwerke entfalten dabei ein breites mediales Spektrum von Skulpturen aus Holz, Elfenbein und Metall über Textilien, Arbeiten auf Papier, Fotografien und Gemälde bis zu zeitbasierten Medien. Ersichtlich werden so Überschneidungen zwischen historischen Kunstpraktiken und mündlichen Überlieferungen.

David Katzenstein versteht sich als visueller Chronist der Menschheit: Seit Jahrzehnten ist er unterwegs, immer mit seiner Kamera. In aller Welt porträtiert er Personen, Völker und Kulturen. Mit der in Distant Journeys getroffenen Auswahl lädt er Leser*innen zu einer eindrucksvollen Reise um den Globus ein.In 49 Jahren bereiste Katzenstein 37 Länder. Was als glückliche Fügung begang, seine Leidenschaften – Fotografie und Reisen – miteinander zu verbinden, entwickelte sich mit der Zeit zu einer Bebilderung der Menschheit. In der Tradition der Dokumentarfotografie legt Katzenstein Wert auf Unmittelbarkeit, emotionaler Beteiligung und Respekt für seine Motive. Die bibliophile Publikation reproduziert seine ästhetischen schwarz-weiß Aufnahmen im Überformat und lässt uns unmittelbar an öffentlichen und privaten Momenten teilhaben.

Mit ihrer Kamera fängt Sherrie Nickol Szenen und intime Momente ein und lässt uns teilhaben an den Gefühlen ihrer Protagonist*innen. Menschen am Strand, Jugendliche im Elternhaus, Touristen in der Fremde – die Fotografien erzählen persönliche Geschichten und dokumentieren das Alltägliche in einer faszinierenden Bildsprache.Sherrie Nickol fokussiert auf den Menschen, sei es in ihren großformatigen Portraits, den Einblicken in Familienleben oder Eindrücken von ihren Reisen. Ihr Blick auf die Welt ist authentisch und positiv. Ihre entgegengebrachte Aufrichtigkeit und Achtung ermöglichen eine emotionale Bindung zu den fotografierten Personen. Insbesondere junge Frauen und Jugendliche an der Schwelle zum Erwachsenwerden stehen dabei in Zentrum: Ihre Lebenswelten, Sehnsüchte und Bedenken gibt der Band mit ganzseitigen Reproduktionen der intensiven Farb- und Schwarz-Weiß-Aufnahmen wieder.

Der 1838 gegründete Green-Wood Cemetery in Brooklyn zählt zu den meistbesuchten Attraktionen von New York und war wegweisend für viele weitere Parkfriedhöfe in den USA. Auf knapp zwei Quadratkilometern beeindrucken prachtvolle Landschaften mit Grabarchitektur und Statuen von Weltrang. Mit Ihrer Kamera hat Bethany Eden Jacobson die atemberaubende Landschaft des geschichtsträchtigen Friedhofs in allen Jahreszeiten eingefangen.In Farb- und Schwarz-Weiß-Fotografien zeigt die New Yorker Fotografin Bethany Eden Jacobson die erhabene Schönheit des Green-Wood Cemetery: jahrhundertealten Bäumen, verwitterte Gradstätten und viktorianische Statuen. Eine visuelle Meditation über die Vergänglichkeit des Lebens und der Harmonie der Natur. Kunstvolle Fotoreproduktionen auf handgeschöpftem Papier wandelt die Aufnahmen in einfühlsame und inspirierende Kunstwerke. Der begleitende Text von Cole Swensen greift die emotionalen Bilder auf und lässt ein lyrisches Wechselspiel zwischen Wort und Bild entstehen.

Um Trost in Zeiten von Trauer und Verlust zu finden, griff Frederic Edwin Church (1826-1900) stets auf das Medium der Landschaftsmalerei zurück und schuf so ein unverwechselbares Oeuvre. Erstmalig vereint die Publikation die in memoriam Gemälde des berühmte Hudson River School Mitglieds und bedeutendsten Landschaftsmaler seiner Zeit.Mit seinen berührenden Trauerlandschaften schuf Frederic Edwin Church Zuflucht für die Hinterbliebenen. Die Publikation stellt die eindrucksvollen Werke in den Kontext der materiellen Trauerkultur der Epoche. In Text und Abbildung werden Ikonographie und Praktiken des Gedenkens beleuchtet, die Church sowohl in seinen Gemälden als auch bei der Schaffung seines Wohnsitzes, Olana House (Hudson, NY), anwandte, um dem Verlust eine Stimme zu geben. Die Beiträge verbinden Churchs Werke mit seiner Biografie und zeigen den Bogen der Gedenkkultur auf, der sich durch Churchs Leben und Karriere spannt. Zugleich werden dabei auch die sentimentalen und therapeutischen Aspekte der Landschaftsmalerei in der amerikanischen Kunst des 19 Jahrhunderts betrachtet.

Geheimnisvoll schimmernde Mosaikbilder aus glitzernden Glassteinchen schmücken die ältesten Kirchen Roms und erzählen von Schönheit, Glauben und Handwerkskunst durch ein ganzes Jahrtausend. Der Band berichtet von ihrer Bedeutung, fängt ihre spirituelle Kraft ein, stellt sie in den historischen Kontext und erweckt damit Meisterwerke zum Leben.Zwölf Mosaikensembles in neun Kirchen entfalten ihre strahlende Pracht anhand von Detailaufnahmen, die die Autorin entschlüsselt. Licht als Erscheinungsform Gottes wird in ihnen nahezu greifbar. Die detailreichen Motive erzählen eindrucksvoll von einem idealisierten Rom, dessen Macht sich aus antikem Ruhm wie aus christlichem Erbe speist, von politischen Realitäten im Wandel und theologischen Hintergründen. Eine übersichtliche Karte weist den Weg zu den Kirchen und macht diesen Band zum perfekten Reisebegleiter.LISTE DER KIRCHENSANTA COSTANZA, SANTA PUDENZIANA, SANTA MARIA MAGGIORE, SANTI COSMA E DAMIANO, LATERANBASILIKA, SANTA PRASSEDE, SAN MARCO, SAN CLEMENTE, SANTA MARIA IN TRASTEVERE

Mit der National Library of Israel entsteht im Herzen von Jerusalem der neueste Bau der Stararchitekten Herzog & de Meuron. Das ikonische Gebäude, welches einem geöffnetem Buch gleicht, stellt einen physischen Speicher für israelische Literatur, Kultur und Geschichte dar. Die Publikation feiert die Architektur und zeigt die Bedeutung von Bibliotheken in unserem digitalen Zeitalter.Es ist die Krönung eines visionären 30-jährigen Projekts zur Erneuerung der israelischen Nationalbibliothek unter der Leitung von Yad Hanadiv (Rothschild-Stiftung): Der Band über Herzog & de Meurons architektonische Ikone nimmt den Leser mit auf eine Reise: Wie ensteht aus einem Entwurf, Mörtel und Stein ein öffentlicher Raum für kulturellen Austausch? Abbildungen aus den Bauabschnitten, Texte führender israelischer Autor:innen, Zeichnungen von Zoya Cherkassky und eine Graphic Novel von Rutu Modan lassen den bibliophilen Band zu einer einzigartigen Gebäudemonografie werden.

Mit der National Library of Israel entsteht im Herzen von Jerusalem der neueste Bau der Stararchitekten Herzog & de Meuron. Das ikonische Gebäude, welches einem geöffnetem Buch gleicht, stellt einen physischen Speicher für israelische Literatur, Kultur und Geschichte dar. Die Publikation feiert die Architektur und zeigt die Bedeutung von Bibliotheken in unserem digitalen Zeitalter.Es ist die Krönung eines visionären 30-jährigen Projekts zur Erneuerung der israelischen Nationalbibliothek unter der Leitung von Yad Hanadiv (Rothschild-Stiftung): Der Band über Herzog & de Meurons architektonische Ikone nimmt den Leser mit auf eine Reise: Wie ensteht aus einem Entwurf, Mörtel und Stein ein öffentlicher Raum für kulturellen Austausch? Abbildungen aus den Bauabschnitten, Texte führender israelischer Autor:innen, Zeichnungen von Zoya Cherkassky und eine Graphic Novel von Rutu Modan lassen den bibliophilen Band zu einer einzigartigen Gebäudemonografie werden.

Mit atemberaubender Virtuosität loten Viktor Horsting und Rolf Snoeren seit über 30 Jahren die Grenzen zwischen Couture und Kunst aus. Das Buch entführt in eine Welt spektakulärer Kreationen und spiegelt die Leidenschaften, die Obsessionen und die einzigartige Vision des Duos mit ihrem unkonventionellen Designansatz wider.Viktor&Rolfs Meisterwerke werden von Künstler:innen wie Madonna, Tilda Swinton, Lady Gaga, Doja Cat und Cardi B weltweit geschätzt oder in internationalen Opern- und Ballettproduktionen in Szene gesetzt. Reich bebildert sowie begleitet von einführenden Texten und einem Interview mit Viktor&Rolf präsentiert der Band rund 100 der gewagtesten Couture-Stücke des gleichermaßen visionären wie leidenschaftlichen Duos, ihre berühmten handgefertigten Porzellanpuppen in ikonischen Kreationen sowie Werke von renommierten Foto-Künstler:innen wie Ellen von Unwerth, Andreas Gursky, Inez&Vinoodh und Cindy Sherman.

Mit der National Library of Israel entsteht im Herzen von Jerusalem der neueste Bau der Stararchitekten Herzog & de Meuron. Das ikonische Gebäude, welches einem geöffnetem Buch gleicht, stellt einen physischen Speicher für israelische Literatur, Kultur und Geschichte dar. Die Publikation feiert die Architektur und zeigt die Bedeutung von Bibliotheken in unserem digitalen Zeitalter.Es ist die Krönung eines visionären 30-jährigen Projekts zur Erneuerung der israelischen Nationalbibliothek unter der Leitung von Yad Hanadiv (Rothschild-Stiftung): Der Band über Herzog & de Meurons architektonische Ikone nimmt den Leser mit auf eine Reise: Wie ensteht aus einem Entwurf, Mörtel und Stein ein öffentlicher Raum für kulturellen Austausch? Abbildungen aus den Bauabschnitten, Texte führender israelischer Autor:innen, Zeichnungen von Zoya Cherkassky und eine Graphic Novel von Rutu Modan lassen den bibliophilen Band zu einer einzigartigen Gebäudemonografie werden.

Oft sind Fundstücke aus Stahl für Hex (*1964) das Basismaterial seiner abstrakten Skulpturen. Mit Hilfe von Schweißgerät, Flex, Hammer und Poliermaschine schafft er formschöne und überaus beeindruckende Kunstwerke - mal kleine wie auch monumentale. Heute befinden sich Arbeiten von ihm in Sammlungen aber auch auf öffentlichen Plätzen weltweit. In diesem Buch wird ein Überblick über die Werke der letzten 10 Jahre gegeben.Bereits in jungen Jahren sah sich Hex als Bildhauer und verkaufte seine erste Skulptur mit nur 25 Jahren. Erfolgreiche Ausstellungen und Stipendien folgten, die Hex zu Arbeitsaufenthalten unter anderem nach Italien, England, Namibia, USA oder Kanada führten. Er wurde aufgenommen in die prestigeträchtige Royal Society of Sculptors und fand neben dem Stahl auch zu weiteren Werkstoffen wie Marmor und Bronze. Mit großformatigen Abbildungen führt die Publikation in das vielseitige OEuvre des prämierten Künstlers ein.

Antonio Canova erfand mit den Idealköpfen ein neues Genre. Ausdruck seiner Verbundenheit und Dankbarkeit, waren sie als Geschenke für enge Freunde und geschätzte Persönlichkeiten gedacht. Ausgehend von der berühmten Büste "La Riconoscenza" führt der prachtvolle Band im Überformat diese einzigartigen Freundschaftszeugnisse eindrucksvoll vor Augen.Canovas lange als verschollen geglaubtes Meisterwerk "La Riconocenza" (Die Dankbarkeit) ist eine Hommage an seinen wichtigsten Kritiker, den Kulturtheoretiker Quatremère de Quincy. In Auftrag gegeben wurde sie von der Künstlerin Marquise de Grollier, als Geschenk an den gemeinsamen Freund Quatremère. Anhand eines außergewöhnlichen Briefwechsels zwischen diesen drei illustren Persönlichkeiten, die das kulturelle Leben ihrer Zeit prägten, spürt der Autor der Entstehungsgeschichte der "Riconocenza" nach und ordnet sie in den Kontext von Canovas Teste "ideali" ein.

Ein Fisch wird zum Messer, ein Alligator zur Säge und der Künstler selbst zum Nokia-Telefon - John Martin ist einer der spannendsten schwarzen US-amerikanischen Künstler unserer Zeit. Der Band will zum besseren Verstehen und zur Wertschätzung seiner einzigartigen Bildsprache und seiner außerhalb der Kunstszene, aber auch außerhalb der Behindertengemeinschaft angesiedelten Arbeiten beitragen.John Martin wurde 1963 in Marks, Mississippi, geboren und lebt und arbeitet jetzt im Creative Growth Art Center in Oakland, Kalifornien. In seinen Zeichnungen, Keramiken und Holzarbeiten verknüpft er Erinnerungen an die Farm seiner Familie in Mississippi mit seinem heutigen Leben in Oakland. Meist bildet er Gegenstände aus seiner Sammlung von Objets trouvés ab, verleiht ihnen aber einen neuen Sinn, der ihre Funktion erkennen lässt, führt aber zugleich ihre Zweckmäßigkeit ad absurdum, indem er etwa skurrile Tiergestalten und überdimensionale Leatherman-Werkzeuge mit rätselhaften Textbruchstücken mixt. Mit schrägem Sinn für Humor übersetzen seine Kompositionen Bilder von Gebrauchsgegenständen in eine lebendige grafische Ästhetik.

Ob mit Silikonschläuchen, Farbe, Papier oder Faden - Monika Fioreschy findet in ihrem über 50-jährigen künstlerischen Schaffen immer wieder neue Ausdrucksformen in der Tradition der Webkunst. Neben den textilen Webstücken führt der Band durch weitere oftmals völlig heterogene Werkgruppen der Künstlerin und präsentiert dabei auch aktuelle aus älteren Werken upgecycelte Arbeiten.Stoff, der gewöhnlich Bildgrund für Gemälde ist, wird bei Monika Fioreschy zum Bildgegenstand. Ihre stets selbst gefärbten, gewebten und daher gerasterten Bildräume durchfließen horizontale Farbströmungen. Mal werden diese Abstraktionen durch Schlitze getaktet oder gewinnen wegen der - auch sinnträchtig mit Blut oder Pflanzenextrakt gefüllten - Silkonschläuche skulpturale Züge. Für ihre neuesten Arbeiten überführt sie ältere Werke mit Nagel und Faden zu etwas Neuem, zieht sie in den Erfahrungszustand von heute.

Welches Bild von China hatten japanische Künstler vom späten 17. Jahrhundert, als ihr Land sich gegen die Welt abschottete, bis zur Öffnung im Zuge der Modernisierung ab der Mitte des 19. Jahrhunderts? Der Band untersucht vorrangig Darstellungen in der japanischen Malerei vom späten 17. bis zum 20. Jahrhundert, die China als realen Ort ebenso wie als imaginäres gelobtes Land zeigen. In drei Essays renommierter japanischer Kunsthistoriker*innen und über fünfzig Katalogeinträgen zu außergewöhnlichen Werken werden die komplexen Reaktionen der Kunst Japans auf die chinesische Kunst, Geschichte und Kultur offenbar.Eine Handvoll wissenschaftlicher Studien hinterfragt in jüngerer Zeit das etablierte Narrativ, das moderne Japan habe sich allein am Westen orientiert. Diese verbreitete Vorstellung von einem ausschließlich westlich inspirierten heutigen Japan thematisiert "Toward Tomorrow". Mit einem nuancierteren Ansatz bemüht sich der Band, die schwierige Aussöhnung zwischen Alt und Neu im Zuge der Neuerfindung des modernen Nationalstaats Japan zu verstehen.

Die antike römische Portlandvase aus Überfangglas gehört zu den Schätzen des Britischen Museums und ist zugleich eine globale »Marke«, die seit Jahrhunderten bei Kunsthandwerker:innen, Sammler:innen und Käufer:innen hoch im Kurs steht und unzählige Male kopiert und neu interpretiert wurde.Der Band geht der spannenden Frage nach, warum und auf welche Weise die einmalige antike Vase über Zeit und Raum hinweg zur legendären künstlerischen und kommerziellen Muse oder, wie man heute sagen würde, »Influencerin« für Kunstschaffende wie Josiah Wedgwood, Viola Frey, Chris Wight, Michael Eden, Nicole Cherubini, Clare Twomey und Roberto Lugo wurde. Anhand von mehr als 65 Werken und reich bebildert wird die Rolle von Marken in unserer Kultur untersucht und erklärt, warum klassische Traditionen den künstlerischen Kanon dominieren und wie diese Traditionen neu gedacht und revolutioniert werden können.

"In the Company of Artists" ist die erste umfassende Studie über die Skowhegan School of Painting & Sculpture, die inmitten der Wirren des Zweiten Weltkriegs von Künstler:innen für Künstler:innen gegründet wurde. Der Band befasst sich mit der Philosophie und Ausstrahlung der einflussreichen Sommerkunstschule und erweitert damit unser Bild von der amerikanischen Kunstproduktion und den alternativen Bildungsangeboten der Nachkriegszeit.Der umfangreiche Band stützt sich auf Primärquellen, darunter neue und unveröffentlichte Interviews und Diskussionsrunden mit aktuellen und ehemaligen Studierenden der Fakultät, Fotografien und Standbilder, Ephemera und Kunstwerke aus über siebzig Jahren. Augenzeugenberichte gewähren Einblick in diese sehr private Institution, die in Bezug auf Repräsentanz, Gleichberechtigung und Inklusion ihrer Zeit weit voraus war. Der Band umfasst zudem ein eigens in Auftrag gegebenes Portfolio mit Fotografien der gefeierten Künstlerin Elle Pérez.

Das Werk der österreichischen Roma-Schriftstellerin, Malerin, Aktivistin, Musikerin und Holocaust-Überlebenden Ceija Stojka (1933-2013) ist Thema dieses Bandes. Seit den 1980er-Jahren schuf sie über tausend Zeichnungen und Gemälde mit Sujets, die von Landschaften und Erinnerungen an ihr glückliches Vorkriegsleben als Teil einer großen Pferdehändlerfamilie bis zur zunehmenden Verfolgung der Roma unter dem Naziregime reichen.Stojka überlebte als Kind die drei Konzentrationslager Ravensbrück, Bergen-Belsen und Auschwitz. In ihren Werken schildert sie ihre persönlichen Erfahrungen mit Verhaftung, Vernichtung, Überleben und Befreiung, die Millionen Menschen teilten. 2023 jährt sich ihr Geburtstag zum 90. Mal und ihr Todestag zum 10. Mal. In diesem Jahr feiern wir zugleich den 30. Jahrestag der offiziellen Anerkennung der Roma als Volksgruppe in Österreich (1993), für die sich Ceija Stojka jahrelang gemeinsam mit anderen österreichischen Roma stark gemacht hatte, um endlich vollwertiger Teil der Gesellschaft zu sein.