Bøger udgivet af DISTANZ Verlag GmbH

Die Standard-Bildfrequenz für Kinofilme liegt bei 24 Bildern in der Sekunde. Diese technologisch manifestierte Aneinanderreihung von Bildern im Gegensatz zum Einzelbild prägt das Werk von David Krippendorff (geb. 1967 in Berlin, lebt und arbeitet ebenda), das sich zwischen Malerei, Zeichnung, Video und Film bewegt. Krippendorff entwickelt Arbeiten, die von seiner Herkunft gekennzeichnet sind - als Deutsch-Amerikaner wuchs er in Rom auf - und sich mit Themen wie Zugehörigkeit, kultureller Assimilation und Zuständen des Dazwischen- und Andersseins auseinandersetzen. Die Publikation Interpretations konzentriert sich auf Krippendorffs letzte fünf Filme und die in diesem Zusammenhang entstandenen verwandten Arbeiten. Im Mittelpunkt der Monografie steht die von Musik inspirierte Trilogie Lament, die in enger Zusammenarbeit mit der palästinensischen Schauspielerin Hiam Abbass entstand. Neben einem umfangreichen Bildteil enthält das Buch ein Interview mit Krippendorff von Kathrin Becker sowie Essays zu seinem Werk von David Elliott, Mark Gisbourne, Matthias Reichelt, Andrea Scrima und Chiara Valci Mazzara.   Between Pop Culture, Performance, and Cinema The standard frame rate for theatrical motion pictures is 24 images per second. This technologically manifest concatenation of pictures and its contrast with the individual image informs the oeuvre of David Krippendorff (b. Berlin, 1967; lives and works in Berlin), which spans painting, drawing, video, and film. Krippendorff develops works that are shaped by his background-a dual German-American citizen, who grew up in Rome-and wrestle with subjects such as belonging, cultural assimilation, and states of being in-between and different. The publication Interpretations focuses on Krippendorff's five most recent films and works he produced in connection with them. At the center of the monograph stands the trilogy Lament, which was inspired by music and created in close collaboration with the Palestinian actor Hiam Abbass. In addition to illustrations related to the works, the book contains an interview with Krippendorff by Kathrin Becker and essays on his art by David Elliott, Mark Gisbourne, Matthias Reichelt, Andrea Scrima, and Chiara Valci Mazzara.

Willkommen auf der dunklen SeiteDie Gemälde von Karolina Jab¿o¿ska (geb. 1991 in Niedomice, Polen, lebt und arbeitet in Krakau, Polen) stellen Situationen dar, die die Unbeholfenheit bestimmter alltäglicher Aktivitäten einfangen. Wie die Künstlerin es ausdrückt, "entstehen die Bilder aus kleinen sensorischen und emotionalen Eindrücken". Doch das Persönliche ist bei Jab¿o¿ska auch immer politisch: Als Metaphern für Gemütszustände verweisen ihre Werke auf die Rolle der Frau, die existenzielle Bedrohung ihres Körpers und die Einschränkungen durch politische Realitäten. Monumentale Porträts mit markanten Darstellungen erschrockener Gesichtszüge, die als Stellvertreterinnen der Künstlerin, aber auch eines verallgemeinerten Alter Ego fungieren, rufen unweigerlich starke Reaktionen bei den Betrachter*innen hervor.Die Monografie Some of the Names Have Been Changed dokumentiert Jab¿o¿skas Entwicklung der letzten Jahre und ihre einzigartige Reaktion auf die sozialen, politischen und ästhetischen Veränderungen in Polen - ein Land, dessen politische Kräfte in den vergangenen Jahren für ihre antifeministische Agenda und verschiedene Formen der Ausgrenzung auffiel. Das Buch umfasst Essays von Robert Kusek, Monika ¿wierkosz und Wojciech Szymäski, die Jab¿o¿skas Werk insbesondere im Kontext ihrer autofiktionalen Auseinandersetzung einordnen.Ausstellungenwho's afraid of cartoony figuration?, Dallas Contemporary Art Museum, USA, 3. April bis 22. September 2024Preserves. Works from the years 2023-24,State Art Gallery in Sopot,30.Mai bis 28. Juli 2024 Welcome to the Dark SideThe paintings of Karolina Jab¿o¿ska (b. 1991, Niedomice, Poland; lives and works in Kraków, Poland) often depict everyday situations that capture the awkwardness of certain common activities. As the artist has put it, "the paintings come from small sensory and emotional impressions." Yet, the personal is also political: metaphors for emotional states, inherent in these paintings are references to the role of women, the existential threat to their bodies and restrictions imposed by political realities. Monumental depictions of faces-a striking portrayal of her own features that has come to function as a stand-in for the artist but also for a more generalized alter ego-suggest strong emotions but also evoke a visceral response in the viewer.The monograph Some of the Names Have Been Changed documents Jab¿o¿ska's development over the last several years and her unique response to social, political, and aesthetic changes that occurred in Poland-a country whose former political power became notorious for its anti-feminist agenda and various forms of exclusion. The book will comprise three experimental essays by Robert Kusek, Monika ¿wierkosz, and Wojciech Szymäski to theorize Jab¿o¿ska's work, especially in the context of her autofictional examination of the embodied self.Exhibitionswho's afraid of cartoony figuration?, Dallas Contemporary Art Museum, US, April 3- September 22, 2024Preserves. Works from the years 2023-24,State Art Gallery in Sopot,May 30 until July 28, 2024

Eine olfaktorische Reise durch Korea  Der südkoreanische Pavillon auf der 60. Biennale von Venedig   KOO JEONG A (geb. 1967 in Seoul, Südkorea) arbeitet seit den 1990er-Jahren an der Neuerfindung von Räumen durch ortsspezifische und partizipative Installationen. KOO ist international bekannt für poetische Eingriffe in Umgebungen, um die "Seele" dieser Orte sichtbar zu machen. Texte, Zeichnungen, Skulpturen und Installationen werden mit Klang, Geruch und Elementen wie Wind, Wärme und Licht kombiniert. Dabei erzeugt KOO nicht nur eindrucksvolle Erlebniswelten, sondern vor allem nachhallende sensorisch-transformative Begegnungen mit und zwischen den Besucher*innen.   Für die 60. Biennale von Venedig transformiert KOO das zylindrische Stahlgebäude des koreanischen Pavillons in ODORAMA CITIES: eine immersive Duftreise durch verschiedene ländliche Gebiete, Städte und Gemeinden in Süd- und Nordkorea und letztlich ein nationales Porträt der koreanischen Halbinsel.   Die Publikation zur Ausstellung enthält Texte von Frank Boehm, Sooyon Lee, Lee Young June, Jessica Morgan, Luca Turin, Kyung Jin Zoh, Gedichte von Kim Hyesoon, Kim Namjo, Eva Tind, ein Interview von Grégory Couderc (mit Jean-Claude Ellena), ein Interview von Hans Ulrich Obrist (mit KOO JEONG A) und eine Einführung der künstlerischen Leitung Seolhui Lee und Jacob Fabricius. Eine Vorzugsausgabe mit Duftproben aus dem Werk in einer Schmuckkassette mit Buch erscheint ebenfalls im Sommer 2024.  A Korean Scent Journey The South Korean Pavilion at the 60th Venice Biennale  KOO JEONG A (b. Seoul, South Korea, 1967; lives and works everywhere) worked on reinventing spaces through participatory site-specific installations since the 1990s. KOO is internationally acclaimed for their poetic interventions into pre-existing environments with the aim to make their "souls" visible. By combining texts, drawings, sculptures, and installations with sounds, scents as well as elements such as wind, warmth, and light, KOO's installations and spatial interventions create formidable immersive experiences and, more importantly, transformative sensual encounters with and between the visitors.  For the 60th Venice Biennale the artist will transform the cylindrical steel building of the Korean Pavilion into ODORAMA CITIES, an immersive scent journey that represents different rural areas, towns, and cities in South and North Korea. The contribution will create a captivating environment of intimacy and national portrait of the Korean peninsula.   The publication accompanying the exhibition includes texts by Frank Boehm, Sooyon Lee, Lee Young June, Jessica Morgan, Luca Turin, Kyung Jin Zoh, poems by Kim Hyesoon, Kim Namjo, Eva Tind, an interview by Grégory Couderc (with Jean-Claude Ellena), an interview by Hans Ulrich Obrist (with KOO JEONG A), and an introduction by the Artistic Directors Seolhui Lee and Jacob Fabricius. A special edition box set combining the book and scent samples from the work will be released in 2024.

Anfang der 1960er-Jahre formulierte Franz Erhard Walther (geb. 1939 in Fulda, lebt und arbeitet ebenda) im Umfeld des Minimalismus einen offenen Werkbegriff, der die Betrachter*in als Akteur*in miteinbezieht. Walther erhob die Handlung zum Werk und beeinflusste damit ganze Generationen von Künstler*innen. Aufgrund seiner andauernden Aktualität und Relevanz für die gegenwärtige Kunst sowie zu Ehren seines 85. Geburtstages plant die Bundeskunsthalle für das Jahr 2024 eine große Übersichtsausstellung zu seinem Werk.   Die Ausstellung in Kooperation mit der Franz Erhard Walther Foundation zeigt eine konzentrierte, repräsentative Auswahl von handlungsbasierten Werken und Zeichnungen "als Innenblick" aus verschiedenen Perioden sowie filmische Dokumentationen. Eigens angefertigte Exhibition Copies können von den Besucher*innen aktiviert werden. Durch die Interaktion zwischen Körper und Objekt wird jede*r selbst zum Teil des Kunstwerks. Der Katalog enthält einen umfangreichen Bildteil und einen ausführlichen Textteil mit Essays von u. a. Selen Ansen, Luisa Fink, Gregor Quack, Erik Verhagen und Peter Weibel.  "Bilder im Kopf, Körper im Raum"- Franz Erhard Walther     Action As Sculpture  In the early 1960s, Franz Erhard Walther (b. Fulda, 1939; lives and works in Fulda), moving in the orbit of the Minimal Art movement, devised an open conception of art that involves the beholders as active participants. His understanding of their actions as the actual work would inspire entire generations of artists. In recognition of his abiding influence and relevance to contemporary art and in celebration of his eighty-fifth birthday, the Bundeskunsthalle is planning a grand exhibition surveying his oeuvre to be held in 2024.  Produced in cooperation with the Franz Erhard Walther Foundation, the exhibition presents a focused and representative selection of action-based works as well as drawings from different periods that provide "inside views" and documentary footage. Visitors will be encouraged to activate the exhibition copies produced especially for the occasion. In the interaction between body and object, everyone becomes part of the work of art. The catalogue features an extensive image section and a text part with wide-ranging and in-depth essays by Selen Ansen, Luisa Fink, Gregor Quack, Erik Verhagen, Peter Weibel, and others.

Bezeichnend für die Malerei von Melike Kara (geb. 1985 in Bensberg, lebt und arbeitet in Köln) ist der experimentierfreudige Umgang mit Oberflächen. Spannungsvoll bemalt die Künstlerin diese mit dicken Ölpastellen und erzeugt neue Ebenen durch die Verwendung von der Malerei fremden Materialien. Sie schichtet und abstrahiert Tapisserie-Motive und greift dabei die Webtechniken und Bräuche auf, die sich die verschiedenen kurdischen Stämme aus den Ländern ihrer erzwungenen Migration aneigneten. Auch Skulpturen, Videos, Gedichte und weitere Medien gehören zu Karas künstlerischem Vokabular, immer auf der Suche nach einer Vielschichtigkeit auf formaler sowie inhaltlicher Ebene. Ihre Arbeiten erkunden die Kombination kurdischer Traditionen, Erzählungen, Schicksale und Rituale.   shallow lakes zeigt Karas eigens für die Schirn Kunsthalle Frankfurt entwickelte, raumgreifende Installation. Der Katalog zur Einzelausstellung enthält eine ausführliche Projekteinführung von Sebastian Baden und gibt einen umfassenden Einblick in die kulturwissenschaftlich beeinflusste Arbeitsweise der aufstrebenden jungen Künstlerin.    Identity, Migration, and Visibility Melike Kara's paintings (b. Bensberg, 1985; lives and works in Cologne) are characterized by her experimental treatment of surfaces. The artist creates dynamic compositions in thick oil pastels, adding depth of meaning by integrating materials that are alien to painting. She layers and abstracts tapestry motifs, incorporating weaving techniques and customs that the different Kurdish tribes picked up in the countries to which their involuntary migrations took them. Employing a creative vocabulary that also encompasses sculpture, video, poetry, and other media, Kara's art aims for formal as well as thematic complexity, exploring combinations of Kurdish traditions, narratives, lived experiences, and rituals.   shallow lakes documents Kara's site-specific presentation for the Schirn Kunsthalle Frankfurt. The catalogue accompanying her solo exhibition includes a detailed introduction by Sebastian Baden and provides extensive scholarly insight into the cultural traditions that inform the rising young artist's practice.

Klang der Abstraktion  Internationale Sichtbarkeit erlangte Chris Succo (geb. 1979 in Düsseldorf, lebt und arbeitet ebenda) durch den Erfolg seiner Serie White Paintings , die erstmals 2013 in Genf gezeigt wurde. Er ist vor allem für seine abstrakten Gemälde bekannt, arbeitet aber auch mit einer breiten Palette an Medien, darunter Skulptur und Fotografie. Seine Werke entspringen oft aus Zeichnungen, Schrift oder Kalligrafie, was die bedeutenden Einflüsse von Poesie und Musik in seinem OEuvre verdeutlicht. So erforscht er die Potenziale der abstrakten Malerei. Das Künstlerbuch schließt an die bereits erschiene Publikation Blood and Chrome (DISTANZ 2017) mit neuen Arbeiten der letzten Jahre an. Mit Texten von Seda Pesen, Marlene A. Schenk und Mounira Zennia.   The Sound of Abstraction  Chris Succo (b. Düsseldorf, 1979; lives and works in ibid.) rose to international acclaim with the success of his series White Paintings , which made its public debut in Geneva in 2013. Best known for his abstract paintings, he also works in a wide range of other media, including sculpture and photography. Many of his works originate in drawings, writing, or calligraphy, suggesting the major influence in his oeuvre of poetry and music, which inspire his sustained exploration of the potentials of abstract painting. A sequel to the earlier publication Blood and Chrome (DISTANZ, 2017), the artist's book features works from the past several years. With essays by Seda Pesen, Marlene A. Schenk, and Mounira Zennia.

Inmitten der bis heute wegweisenden Konzeptkunst der 1970er-Jahre und im Umfeld der feministischen Avantgarde entwickelte Rose English (geb. 1950 Hereford, GB) ihre einzigartige Arbeitsweise. Heute zählt sie zu den einflussreichsten Performance-Künstler*innen mit einem außergewöhnlich vielschichtigen OEuvre. In ihrem Werk verbindet sie Elemente von Theater, Zirkus, Oper, Comedy und Poesie, um die Themen der Geschlechterpolitik, der Identität von Performer*innen und der Metaphysik der Präsenz - die eigentliche Natur von Performance - interdisziplinär zu erforschen. Sie kollaboriert in ihrer künstlerischen Praxis immer wieder mit einer Vielzahl an Mitwirkenden, darunter Musiker*innen, Sänger*innen, Tänzer*innen, Filmemacher*innen, Zirkusartist*innen, Zauber*innen und auch Dressurpferden.  Die Publikation Memory Theatre erscheint im Rahmen von Englishs Einzelausstellung im Museum der Moderne Salzburg. Das Buch gibt einen explorativen Überblick in  das 50 Jahre umspannende Werk der Künstlerin. Neben zahlreichen Abbildungen und Dokumentationen der Performances enthält der Katalog Essays von Connie Butler,  Paul Clinton, Nicole Haitzinger, Lisa Moravec, Marijana Schneider und Amy Tobin.    Ballet, Dressage, Baroque in Service to Feminism  Rose English (b. Hereford, UK, 1950) developed her singular practice surrounded by the conceptual art of the 1970s, which remains seminal today, and in the orbit of the feminist avant-garde. Boasting an extraordinarily diverse oeuvre, she ranks among the most influential performance artists of our time. Her art combines elements of theater, circus, opera, comedy, and poetry for an interdisciplinary investigation of themes including the politics of gender, the identities of performers, and the metaphysics of presence-the true nature of performance. Many of her works have been collaborative productions involving a large cast of participants such as musicians, singers, dancers, filmmakers, circus artists, magicians, and even dressage horses.  The publication Memory Theatre is released on occasion of English's solo exhibition at the Museum der Moderne Salzburg. Presenting an exploratory survey of the artist's oeuvre, which now spans five decades, the richly illustrated catalogue contains extensive documentation as well as essays by Connie Butler, Paul Clinton, Nicole Haitzinger, Lisa Moravec, Marijana Schneider, and Amy Tobin.

Im Laufe ihrer fast 30-jährigen künstlerischen Tätigkeit hat Chitra Ganesh (geb. 1975 in Brooklyn, N.Y., USA, lebt und arbeitet ebenda) ein umfangreiches OEuvre entwickelt, das sich aus Zeichnung und Malerei heraus in abwechslungsreiche mediale Richtungen entfaltet, von Animationen, Wandzeichnungen, Collagen und Skulpturen bis hin zu computergenerierten Bildern und Videos. Mit großer Leidenschaft für das Detail kombiniert Ganesh eine vielschichtige Palette kultureller Einflüsse mit der Bildsprache von alten Comics, Bollywood-Plakaten und Videospielen. Mit diesem Ansatz untersucht sie Erzählungen und Bilder, die der Kulturgeschichte Südasiens entspringen, ohne jedoch in Nostalgie verhaftet zu sein. Vielmehr fordern ihre Arbeiten die Konventionen von Geschlecht, Sexualität und Macht heraus, indem sie komplexe mythologische Erzählungen um ikonische weibliche Protagonist*innen ins Zentrum rücken.  Die Monografie widmet sich in erster Linie Ganeshs OEuvre aus den Jahren 2013-2023, enthält aber auch Bilder und Hintergrundinformationen von 1996 bis heute. Mit Texten von Natasha Bissonauth, Gayatri Gopinath, Saisha Grayson, Tausif Noor, Svati Shah und Ksenia Soboleva.    Between South Asian Iconography, Science Fiction, and Queer Theory  In a creative career that now spans almost three decades, Chitra Ganesh (b. Brooklyn, New York, US, 1975; lives and works in Brooklyn, New York, US) has built an extensive oeuvre that, anchored in drawing and painting, branches out in manifold ways into media ranging from animation, mural, collage, and sculpture to computer-generated imagery and video. With enormous passion for detail, Ganesh combines a multifaceted palette of cultural influences with the visual idiom of vintage comics, Bollywood posters, and videogames. Her practice lets her delve into narratives and images drawn from the cultural history of South Asia without veering into nostalgia. Her works instead challenge conventions of gender, sexuality, and power by putting complex mythological narratives around iconic female protagonists front and center.  The monograph is primarily dedicated to Ganesh's work 2013-2023, while including images and context from 1996 to the present. With essays by Natasha Bissonauth, Gayatri Gopinath, Saisha Grayson, Tausif Noor, Svati Shah, and Ksenia Soboleva.

Der weibliche Körper und seine Autonomie Die Arbeiten der slowakischen Künstlerin Jana Zelibská (geb. 1941 in Olomouc, damalige Tschechoslowakei; lebt und arbeitet in Bratislava, Slowakei) reichen von Druckgrafik, Zeichnung, Malerei, Objekten und Videos bis hin zu Environments, Konzeptkunst, Installationen und intermedialer Kunst. Seit den 1960er-Jahren ist sie eine wichtige Stimme der konzeptuell und performativ orientierten unabhängigen Kunstszene in der Slowakei. In ihren frühen Installationen thematisiert sie selbstbewusst und emanzipiert erotisches Begehren und fegt patriarchalische Strukturen beiseite. Im Zentrum von Zelibskás immersiven Rauminstallationen und Gemälde steht der weibliche Körper. Dabei spielt sie mit der voyeuristischen Begierde des Publikums und so werden Spiegel anstelle der weiblichen Geschlechtsteile gesetzt und Vorhänge verhüllen Teile des Körpers. Jana Zelibská - Discovery of Possibility ist die erste Einzelausstellung der Künstlerin außerhalb der Slowakei neben ihrem Länderbeitrag im gemeinsamen Pavillon der Tschechischen Republik und der Slowakischen Republik auf der 57. Biennale von Venedig im Jahr 2017. Der begleitende Katalog ist die erste Veröffentlichung im deutschsprachigen Raum zu ihrem Werk und enthält Beiträge von Nathalie Hoyos, Lucia Gregorová Stach, Rainald Schuhmacher und Alfred Weidinger. The Female Body and Its Autonomy The Slovak artist Jana Zelibská's (b. Olomouc, former Czechoslovakia, 1941; lives and works in Bratislava, Slovakia) output ranges from fine art prints, drawings, paintings, objects, and videos to environments, conceptual art, installations, and intermedia art. She first emerged as a major figure on Slovakia's independent art scene, which embraced conceptual and performative approaches, in the 1960s. Her confidence and progressive convictions speak from her early installations, which candidly address erotic desire and shatter patriarchal structures. The female body stands at the center of Zelibská's immersive environments and paintings. She likes to toy with the audience's voyeuristic desire, integrating mirrors where one would expect to see female genitalia and veiling parts of the body with curtains. Jana Zelibská-Discovery of Possibility is the artist's first solo exhibition outside Slovakia after she made her international debut in the shared pavilion of the Czech Republic and the Slovak Republic at the 57th Venice Biennale in 2017. The accompanying catalogue is the first publication on her oeuvre in the German-speaking countries and includes contributions by Nathalie Hoyos, Lucia Gregorová Stach, Rainald Schuhmacher, and Alfred Weidinger.

Die Auseinandersetzung mit progressiven Schwarzen intellektuellen Strömungen zeichnet die fotografische Praxis von Eric Asamoah (geb. 1999 in Linz, Österreich) aus. Er navigiert durch die Komplexität dessen, was es bedeutet, jung, Schwarz und in einer diasporischen visuellen Kultur verankert zu sein. Bevor er seine Ideen in Kompositionen übersetzt, hält Asamoah seine Gedanken in Tagebucheinträgen und Notizen fest. Diese Texte dienen keineswegs nur als vorbereitende Skizzen, sondern stellen die emotionale Grundlage dar, die seine fotografischen Projekte eindrucksvoll von anderen jungen Zeitgenoss*innen abgrenzt.  Die Publikation thematisiert zwei analog fotografierte zentrale Werkserien: Forever Lasts Until It Ends (2022) und The Day After Tomorrow (2021). Für beide Projekte reiste Asamoah in das Herkunftsland seiner Eltern, Ghana. Die in der westafrikanischen Republik entstandenen Bilder erzählen von der sensiblen Phase des Erwachsenwerdens, von Übergängen, Emotionen, Träumen und von Gemeinschaft als einem kollektiven Gefühl der Unabhängigkeit. Mit einem Essay von Brooklyn J. Pakathi und einem Gespräch zwischen Gabriel Proedl und dem Künstler.  Eric Asamoah's (b. Linz, Austria, 1999) photographic practice is informed by his engagement with tendencies in progressive Black thought. He navigates the complexity of what it means to be young, Black, and anchored in a diasporic visual culture. Before translating his ideas into compositions, Asamoah records his thoughts in diary entries and notes. Far from being mere preparatory sketches, these texts constitute the emotional basis that sets his formidable photographic projects apart from the works of other young contemporaries.  The publication shines a spotlight on two central series of analog photographs: Forever Lasts Until It Ends (2022) and The Day After Tomorrow (2021). For both projects, Asamoah traveled to his parents' native Ghana. The pictures he took in the West African republic tell stories of the sensitive phase of coming of age, of passages, emotions, dreams, and community as a collective sense of the transition to adulthood and independence. With an essay by Brooklyn J. Pakathi and a conversation between Gabriel Proedl and the artist.

Inspiriert von digitalen Technologien und Szenerien aus Computerspielen schafft die Künstlerin Mary-Audrey Ramirez (geb. 1990 in Luxemburg, Luxemburg; lebt und arbeitet in Berlin) immersive Welten, die aus ihrem eigenen inneren Kosmos stammen. Ihre Installationen erwecken beim Betrachten den Eindruck, sich inmitten von Games zu befinden. Dafür macht sie sich auch das kreative Potenzial künstlicher Intelligenz zunutze. Ramirez sieht dies als Zusammenarbeit von Mensch und Maschine, die sich gegenseitig in ihrem Schaffensprozess unterstützen. Fakten und Fiktionen miteinander zu verbinden sowie die stetige Migration des Digitalen in unsere Welt sind integrale Bestandteile ihrer Praxis. Dabei erscheinen die Arbeiten der Künstlerin wie eine Reise in ihre nächtlichen Träume. Forced Amnesia ist die zweite umfangreiche Monografie (XOXO, Winter Is Coming, DISTANZ, 2020) der Künstlerin anlässlich ihrer Ausstellungen in der Kunsthalle Gießen und dem Casino Luxembourg. Essays von Nadia Ismail, Damien Mecheri und Ji-Hun Kim untersuchen Ramirez' Praxis. Mit einem künstlerischen Textbeitrag von Julia Scher. Artistic Intelligence and Gaming Universes: Level Up! Taking inspiration from digital technologies and sceneries from computer games, the artist Mary-Audrey Ramirez (b. Luxembourg, Luxembourg, 1990; lives and works in Berlin) creates immersive worlds that spring from the cosmos of her inner mind. Her installations make the viewers feel like they have been transported to inside a game. To realize them, she also taps into the creative potential of artificial intelligence. As Ramirez sees it, such collaboration between human and machine lets both sides support each other in their creative processes. The blending of fact and fiction and the ongoing migration of the digital into our world are integral components of her practice. Reading as voyages straight into her nightly dreams, her works are suffused with a dystopian beauty, with flashes here and there of a subtle sense of humor that lighten the impact of her motifs and provide relief from the powerful sense of gloom. Forced Amnesia, the artist's second comprehensive monograph (XOXO, Winter Is Coming, DISTANZ, 2020), is released on occasion of her exhibitions at Kunsthalle Gießen and Casino Luxembourg. Essays by Nadia Ismail, Damien Mecheri, and Ji-Hun Kim analyze Ramirez's practice. With a piece of creative writing contributed by the artist Julia Scher.

50 Hefte zu interdisziplinärer Lehre zwischen Kunst, Design, digitalen  Medien und Musik  Die Hochschule für Künste Bremen (HfK) gehört zu den wenigen Kunsthochschulen in Deutschland, die die Fachbereiche Musik, Kunst und Design unter einem Dach vereint. 2018 richtete die HfK Bremen eine bundesweit einzigartige Professur ein, die an der Schnittstelle dieser Fachbereiche angesiedelt ist. In diesem Rahmen entstand der durch den bildenden Künstler, Performer und Musiker Raphael Sbrzesny initiierte fachübergreifende Laborraum, die "Interpret*innenkammer", der die Qualitäten einer Probebühne, Proberaums und eines Ateliers in sich vereint. Über fünf Jahre und in rund 50 Projekten konnte sich in der Folge eine Form der künstlerischen Lehre entwickeln, in der sich Theorie und Praxis, Affirmation und Kritik, Traditionsbewusstsein und Gegenwartsbezug auf neue Weise miteinander verbinden. Im Zentrum der polyphonen Werkstatt stehen kooperative und kollaborative Arbeitsformen, erweiterte Konzertformate, ortsspezifische Interventionen mit einem Fokus auf öffentlichem Raum sowie große transdisziplinäre Performanceprojekte zwischen Design, freier Kunst, digitalen Medien und Musik. Die Publikation Interpret*innenkammer - Die Polyphone Werkstatt. Sound, Performance & Konzept ist als offenes Archiv angelegt, das in 50 Heften verschiedene interdisziplinäre Lehrprojekte rund um die Professur für Kreation und Interpretation mit den Schwerpunkten Sound, Performance und Konzept an der HfK Bremen dokumentiert. Mit Beiträgen von Fabian Goppelsröder, Christina Scheib, Judith-Frederike Popp, Wolfgang Ullrich, Bastian Zimmermann und Raphael Sbrzesny.   50 Booklets on Interdisciplinary Teaching between Art, Design, Digital Media, and Music The University of the Arts Bremen (HfK) is one of only a few art schools in Germany to unite the music, visual arts, and design divisions under a single roof. In 2018, HfK Bremen established a position that is unique in the country: a professorship that sits at the intersection of these disciplines. As part of the new structure, the visual artist, performer, and musician Raphael Sbrzesny initiated a cross-curricular laboratory space, the "Interpret*innenkammer," which combines the qualities of a rehearsal stage, sound studio, and atelier. In around fifty projects over the course of five years, it has nurtured a form of creative teaching that has blended theory and practice, affirmation and critique, preservation of tradition and contemporary relevance in novel ways. The polyphonic workshop's practice has emphasized cooperative and collaborative approaches, expanded concert formats, site-specific interventions with a focus on public settings, and major transdisciplinary performance projects between design, fine art, digital media, and music. The publication Interpret*innenkammer-Die Polyphone Werkstatt. Sound, Performance & Konzept   was conceived as an open archive in 50 booklets documenting various interdisciplinary teaching projects implemented by the professorship for creation and interpretation at HfK Bremen and its concentrations in sound, performance, and conceptual work. With contributions by Fabian Goppelsröder, Christina Scheib, Judith-Frederike Popp, Wolfgang Ullrich, Bastian Zimmermann und Raphael Sbrzesny.

Materialien im Fluss der Zeit  Wiederkehrende Elemente im künstlerischen Werk von Timo Kube (geb. 1977 in Harsewinkel, lebt und arbeitet in London) bilden Mineralien wie Kreide und Ton sowie unterschiedliche Kunststoffe, die er oft an öffentlichen Orten oder in der Natur findet. Was lässt sich zu ihrer Herkunft sagen? Wie wirkt sich ihre Veränderung auf die Geschichten aus, die uns diese Materialien erzählen? Welche Zeitlichkeit wohnt ihnen inne? Kube begreift das Material in seiner Vielschichtigkeit und Relation zur menschlichen Wahrnehmung und Existenz - Zustände verändern sich, neue Verbindungen werden eingegangen. In seinen Objekten und Wandarbeiten ermittelt Kube die ästhetischen Eigenschaften einzelner Stoffe. Diese angewandte Materialkunde verbindet er mit einer ausgeprägten Ethik der Nachhaltigkeit: Rohstoffe werden nicht entsorgt, sondern landen immer wieder im Kreislauf seines künstlerischen OEuvres. Diese Praxis setzt sich in der Materialität und Gestaltung des Buches fort. Die Verwendung verschiedener Papiersorten bewirkt eine Vielzahl visueller und haptischer Erfahrungen. Sensibilities ist die erste Monografie zum Werk von Timo Kube. Mit Essays von Christian Berger, Rebecca Lewin und Robert Luzar.   Materials in the Flow of Time Among the recurring elements in Timo Kube's (b. Harsewinkel, 1977; lives and works in London) art are minerals like chalk and clay as well as a variety of synthetic materials, which he often finds in public settings or in nature. What can we say about their origins? How do the changes they undergo affect the stories they tell us? How do they exist in time, and how does time inhabit them? Kube thinks his materials in their multifaceted quality and in relation to human perceptions and life-conditions change, new connections and compositions emerge. Kube's objects and wall pieces investigate the aesthetic characteristics of selected substances, an applied materials science he intertwines with a distinctive ethic of sustainability: rather than discarding raw materials, he feeds them back into the cycle of his creative process. This practice extends into the physicality and design of the book. Made using a number of different papers, it offers a range of visual and tactile experiences. Sensibilities is the first monograph on Timo Kube's oeuvre. With essays by Christian Berger, Rebecca Lewin, and Robert Luzar.

Mittels komplexer fotografischer Experimente in der Dunkelkammer untersucht Marta Djourina (geb. 1991 in Sofia, Bulgarien; lebt und arbeitet in Berlin) das Wesen des Lichts und die Wechselwirkungen zwischen Sinneswahrnehmungen, Naturphänomenen, Körper und Information. So hat sie ein hybrides Genre entwickelt, das sie als "Filtergramm" oder auch "Blindmalerei" bezeichnet. Ihre performativen und zugleich poetischen Gesten beim Ausloten der Möglichkeiten analoger Fotografie lassen leuchtende, farbintensive Kompositionen entstehen. Djourina bearbeitet das lichtempfindliche Fotopapier auf mannigfaltige Weisen und setzt es äußeren Gegebenheiten aus. So verschickte sie zum Beispiel Lochkameras per Post, im Koffer oder mit einer Brieftaube. Ob mit der Kraft der Sonne, punktuellen Lichtkörpern, biolumineszierenden Organismen wie Algen und Pilzen oder historischen Techniken wie der Kirlianfotografie - Djourinas Suche nach außergewöhnlichen Lichtphänomenen ist unerschöpflich. Dies spiegelt sich auch in der Materialität der Publikation wider, deren Cover mit nachleuchtender Farbe gestaltet ist. Foxfire bietet erstmals einen umfassenden Überblick über Marta Djourinas Schaffen. Essays von Dr. Sarah Frost, Miriam Jesske, Gregory Volk und Babette Werner führen in die Werkserien ein und zeichnen die zahlreichen Arbeitsprozesse nach.    Languages of Light Marta Djourina (b. Sofia, Bulgaria, 1991; lives and works in Berlin) conducts complex photographic experiments in the darkroom to investigate the nature of light and the interactions between sense perceptions, natural phenomena, the body, and visual information. She has developed a hybrid genre she calls "filtergram" or "blind painting." Both performative and poetic, the gestures with which she probes the potentials of analog photography engender luminous and intensely colorful compositions. Djourina manipulates the light-sensitive photographic paper in manifold ways and exposes it to external factors. For example, she has shipped pinhole cameras in the mail, in a suitcase, or pinned to a carrier pigeon. Whether she harnesses the power of the sun, point-shaped light sources, bioluminescent organisms like algae and fungi, or historic techniques like Kirlian photography-Djourina is indefatigable in her quest for extraordinary light phenomena. The book reflects her way of working in its physical facture; the cover was designed with phosphorescent pigments. Foxfire is the first publication to offer a comprehensive overview of Marta Djourina's art. Essays by Dr. Sarah Frost, Miriam Jesske, Gregory Volk, and Babette Werner provide introductions to the series and analyze the artist's creative processes.

"The participating artists' voices pointed up implicit and explicit parameters of the street and the determination to engage in their ongoing renegotiation." -Paula Kommoss, artistic director and curator, Biennale für Freiburg 2 Titled The Song of the Street , Biennale für Freiburg's second edition explored the street as a political space and scene where the public sphere comes to life. In close collaboration with the invited artists and local members of the community, new formats and works of art were produced for the Biennale that explicitly tied in with the city and activated it as a field of experimentation, uncovering hidden narratives, facilitating unexpected experiences, and creating moments of dialogue and engagement. The accompanying publication Das Lied der Straße documents the Biennale's diverse program. Selected contributions provide insights into participating artists' research processes, share actions in public settings with the readers, and invite them to immerse themselves in the feminist history of film and the street. With contributions by Maximiliane Baumgartner, Michael Koltan, Gudrun Leser, Hitsville Soldiers, Paula Kommoss, Eva Kuhn, Aaliyah Lauterkranz, Alejandra Rosenfeld, and Torch. Biennale für Freiburg 2 took place in February-July 2023. "Die Stimmen der teilnehmenden Künstler*innen wiesen auf implizite und explizite Parameter der Straße hin und den Willen, diese immer wieder neu zu verhandeln." - Paula Kommoss, künstlerische Leiterin und Kuratorin der Biennale für Freiburg 2 Unter dem Titel Das Lied der Straße widmete sich die zweite Edition der Biennale für Freiburg der Straße als politischen Raum und als Ort der gelebten Öffentlichkeit. In enger Zusammenarbeit mit den eingeladenen Künstler*innen und lokalen Akteur*innen entstanden eigens für die Biennale neue Formate und Kunstwerke, die explizite Bezüge zur Stadt herstellten und sie als Experimentierfeld aktivierten: Sie zeigten Verdecktes auf, ermöglichten unerwartete Erfahrungen und schufen Momente des Austauschs und Kontakts. Die begleitende Publikation Das Lied der Straße bildet das vielfältige Programm der Biennale für Freiburg 2 ab. Die ausgewählten Beiträge geben Einblicke in Rechercheprozesse beteiligter Künstler*innen, lassen an Aktionen im öffentlichen Raum teilhaben und ermöglichen inhaltliche Auseinandersetzungen mit der feministischen Geschichte des Films und der Straße. Mit Beiträgen von Maximiliane Baumgartner, Michael Koltan, Gudrun Leser, Hitsville Soldiers, Paula Kommoss, Eva Kuhn, Aaliyah Lauterkranz, Alejandra Rosenfeld und Torch. Die Biennale für Freiburg 2 fand von Februar bis Juli 2023 statt.

Über Gleichheit und Gleichzeitigkeit Die Arbeiten von Bernhard Holaschke (geb. 1986 in Heilbronn, lebt und arbeitet in Berlin und Prien am Chiemsee) sind geprägt von der Auseinandersetzung mit menschlicher Existenz, ihrer Verortung in der Welt und Kulturgeschichte. Holaschke hinterfragt Gleichheit und Gleichzeitigkeit von Emotionen, Dingen und ihren Werten. Dazu verwendet er Medien wie Zeichnung, Malerei, Objekt und Video. Er bespielt klassische Ausstellungssituationen, kreiert Musikvideos und inszeniert visuelle Liveshows - zum Beispiel auf Technofestivals, in der Berliner Philharmonie oder in sakralen Bauten. This Is All I Could Do setzt zum einen mit der Dokumentation von I Do Many Things , der ersten Ausstellung in Holaschkes Geburtsstadt, einen Schwerpunkt auf seine großformatige Malerei. Zum anderen gibt das Buch einen atmosphärischen Überblick seines OEuvres mit einer Auswahl an Arbeiten, Ausstellungen und Projekten der letzten Dekade. Neben Kommentaren des Künstlers enthält das Buch Essays von Tobias Kämpf, Eric Keil und Lena Malich.   On Equivalence and Simultaneity Bernhard Holaschke's (b. Heilbronn, 1986; lives and works in Berlin and Prien am Chiemsee) works are informed by his probing reflections on human existence, its place in the world, and cultural history. Holaschke questions the equivalence and simultaneity of emotions, things, and their values, using media including drawing, painting, object art, and video. He makes works for presentation in conventional exhibition settings, creates music videos, and stages visual shows that have gone live at techno festivals, the Berlin Philharmonic, and in churches, among other venues. This Is All I Could Do combines the documentation of I Do Many Things , Holaschke's first exhibition in his native Heilbronn, which puts the focus on his paintings in large formats, with an introduction to his oeuvre that surveys his works, exhibitions, and projects of the past decade. With notes by the artist and essays by Tobias Kämpf, Eric Keil, and Lena Malich.

Die Zeichenhaftigkeit des Alltags Julia Miorin (geb. 1989 in Memmingen, lebt und arbeitet in Leipzig) widmet sich in ihrer künstlerischen Praxis der Materialität und dem erzählerischen Potenzial alltäglicher Gegenstände. Sie hinterfragt vorgegebene Lesarten und löst sich von gängigen Begrifflichkeiten und Nutzungskontexten. Durch das gezielte Schaffen neuer Konstellationen von Dingen - auch in Bezug zum umgebenden Raum - wird der Blick frei für Oberflächen, Farben, Formen und Spuren von Handlung. Das Narrativ der Dinge selbst wird freigelegt, transformiert oder erweitert: Papierhandtücher werden zur Farbskala, aus Isomatten bildet sich ein strenger Faltenwurf und augenzwinkernd erzählen Erdnussbutterkekse und Pinzetten vom Auf und Ab zwischenmenschlicher Belange.  Dinge haben sieben Leben / Nine lives of things ist die erste Monografie, die einen Überblick über Julia Miorins bisheriges Schaffen gibt. Vielschichtig begleitet werden die Arbeiten von Texten der Literatur- und Kulturwissenschaftlerin Dorothee Kimmich, der Schriftstellerin und Fotografin Michèle Yves Pauty und dem Kunstwissenschaftler und Direktor des Kunstmuseums Heidenheim Marco Hompes. The Semiotic Qualities of Everyday Life Julia Miorin's (b. Memmingen, 1989; lives and works in Leipzig) creative practice revolves around the materiality and narrative potential of mundane objects. She questions predetermined interpretations and jettisons conventional conceptual frameworks and pragmatic contexts. The deliberate creation of novel constellations of things-also in relation to the surrounding space-opens the eye to surfaces, colors, forms, and traces of action. Miorin uncovers, transforms, or expands the stories inherent in things: paper towels become a color scale, camping mats pose in rigorously arranged folds, and peanut-butter cookies and tweezers give a tongue-in-cheek account of the ups and downs of interpersonal affairs. Dinge haben sieben Leben / Nine lives of things is the first monograph to provide an overview of Julia Miorin's growing oeuvre. The literary and cultural scholar Dorothee Kimmich, the writer and photographer Michèle Yves Pauty, and the art scholar and director of the Kunstmuseum Heidenheim Marco Hompes have contributed multifaceted introductions to the works.

"Write your self. Your body must be heard." - Hélène Cixous  Charlotte Rohde (geb. 1992 in Aachen, lebt und arbeitet in Berlin) ist eine der stilprägenden Gestalterinnen ihrer Generation. Als Künstlerin, Typografin und Autorin untersucht sie, wie Schrift als Schnittstelle zwischen image und language feministische Diskurse in unseren Gesellschaften formt. Überlegungen zu Popkultur, Macht und Hyperfeminität, die Überzeichnung von Weiblichkeit, verknüpfen ihre multidisziplinären, aber stets sprachbasierten Arbeiten. Derzeit ist sie als Vertretungsprofessorin für Typografie und Schriftgestaltung an der Bauhaus-Universität Weimar (2022-2024) tätig. In ihrem Künstlerinnenbuch You Loved an Image , gestaltet und visuell interpretiert von Tatjana Stürmer, verbindet sie Texte zwischen Gedicht, Prosa, Essay und Tagebucheintrag, grafische und künstlerische Arbeit mit experimenteller Typografie und untersucht die Semiotik zeitgenössischer Weiblichkeit.   "Write your self. Your body must be heard."-Hélène Cixous  The designer Charlotte Rohde (b. Aachen, 1992; lives and works in Berlin) has helped define the style of her generation. A visual artist, typographer, and writer, she explores how typography as the interface between image and language informs feminist discourses in our societies. Reflections on pop culture, power, and hyperfemininity, the exaggeration of female features, tie her multidisciplinary yet always language-based works together. She is currently an associate professor at Bauhaus University, Weimar (2022-2024), where she teaches typography and type design. Her artists' book You Loved an Image , with designs and visual interpretations by Tatjana Stürmer, combines writings between poetry, prose, essay, and diary entry, graphic design and art, and experimental typography to examine the semiotics of contemporary femininity.

Zuhören als gemeinsame Erfahrung  In ihrem künstlerischen Schaffen erforscht Liliana Moro (geb. 1961 in Mailand, Italien, lebt und arbeitet ebenda) unterschiedliche Ausdrucksmittel wie Klang, das gesprochene und geschriebene Wort, Skulptur, Performance, Zeichnung, Collage und Video. Ihre Werke stellen dabei ein fragiles Gleichgewicht zwischen scheinbar einfachen Materialien und Objekten her. Moros Werk ist bis heute von ihrer Leidenschaft für das Theater geprägt, wollte die Malerin doch ursprünglich Szenografie studieren. Die Auseinandersetzung mit Samuel Beckett, dessen Werk die Grundlage mehrerer ihrer Arbeiten bildet - Beckett befreite die Bühne von jeglichem Exzess und nutzte den Bühnenraum auch als skulpturales Element - verbindet Moro mit einem umfassenden Blick auf den Raum sowie auf Körper in diesem. Dabei gehen ihre Werke oft von alltäglichen Gegenständen und Situationen aus und fordern uns auf, zuzuhören und uns sowohl physisch als auch intellektuell in diesen Settings zu beteiligen.  Die Monografie Andante con moto. Liliana Moro spannt einen Bogen von Moros Arbeiten aus den späten 1980er-Jahren bis hin zu aktuellen Werken und Neuproduktionen für die titelgebende Ausstellung im Kunstmuseum Liechtenstein. Die Essays schrieben Milovan Farronato und Fabio Cherstich. Neben Transkripten und Aufzeichnungen zu Klangarbeiten umfasst das Buch ein Gespräch zwischen der Künstlerin und der Kuratorin Letizia Ragaglia, die auch das Vorwort schrieb.    Listening as a Shared Experience  Liliana Moro's (b. Milan, 1961; lives and works in Milan) creative practice explores a range of media including sound, spoken and written word, sculpture, performance, drawing, collage, and video. Her works strike a delicate balance between deceptively simple materials and objects. Moro's oeuvre has long been informed by her passion for the theater; the painter initially wanted to study scenography. Her ongoing engagement with the oeuvre of Samuel Beckett, which underlies several of her works-Beckett radically uncluttered the stage and activated the theatrical space as a sculptural element-goes hand in hand with an encompassing inquiry into the setting of art and the bodies in it. Often inspired by mundane objects and situations, Moro's work prompt us to listen and become both physically and intellectually involved.  The monograph Andante con moto. Liliana Moro traces an arc from Moro's works of the late 1980s to her most recent output and new works created for the exhibition of the same title at Kunstmuseum Liechtenstein. With essays by Milovan Farronato and Fabio Cherstich, transcripts and notes on sound works, and a conversation between the artist and the curator Letizia Ragaglia, who also wrote the foreword.

Insularität, Isolation und Distanz als Triebfedern künstlerischer Forschung  In seinen Arbeiten verwendet Alessandro Biggio (geb. 1974 in Cagliari, lebt und arbeitet in Cagliari und Calasetta, Italien) Materialien wie Asche und Ton, die er in ihrer Schichtung und Konzentration auf ihre Transformation zur Skulptur und Installation hin untersucht. Die Entfaltung des sich oft wiederholenden, bisweilen rituell anmutenden künstlerischen Prozesses wird zum Mittelpunkt der ästhetischen Reflexion in Biggios konzeptstarken Arbeiten. In kleinen Schritten aufgebaut, entstehen die Werke oft über lange Zeiträume hinweg. Die zeitliche Dimension erweist sich so als das eigentliche Material seiner Kunst, die mit Referenzen zur Arte Povera spielt.  Das Buch ergründet die für Biggio elementaren und philosophischen Fragen des Seins. Im kollaborativen Zusammenspiel zwischen seinen Arbeiten und den Fotografien von Michael Höpfner zeigt die Monografie das spannungsgeladene Werk des Künstlers und verortet dieses in seiner Heimat Sardinien - zwischen Calasetta und Cagliari verweist es auf die Bedeutung von Heimat. Mit Essays von Heike Eipeldauer, Lorenzo Giusti, David Komary, Marta Papini und Giacomo Spissu.    Insularity, Isolation, and Distance as Driving Forces of Artistic Research  In his works, Alessandro Biggio (b. Cagliari, 1974; lives and works in Cagliari and Calasetta, Italy) uses materials such as ash, clay, and canvas, which he transforms into explorations in the field of sculpture and installation. The unfolding of the often repetitive and at times seemingly ritualistic creative process becomes the central concern of aesthetic reflection in the artist's conceptually driven works. Constituted in minor steps, the work is often created over long periods of time. The temporal dimension thus proves to be the intrinsic material of his art, which has references to Arte Povera.  The book explores the philosophical questions of being, which are elementary for Biggio. In a collaborative interplay between his works and Michael Höpfner's photographs, the monograph shows the artist's vibrant oeuvre and locates it in his homeland Sardinia--between Calasetta and Cagliari, exploring the meaning of home. With essays by Heike Eipeldauer, Lorenzo Giusti, David Komary, Marta Papini, and Giacomo Spissu.

Vers für Vers: Tagtägliche Poesie im öffentlichen Raum Die Kunst des multidisziplinären Künstlers Riccardo Benassi (geb. 1982 in Cremona, Italien; lebt und arbeitet in Berlin, Bergamo und online) beschäftigt sich mit den Auswirkungen der Technologie auf unsere alltäglichen Beziehungen zu Raum und die Weise, wie technologische Geräte die Struktur unseres Alltags verändern und Realität gestalten. Seine Arbeiten sind das Ergebnis veränderlicher Assemblagen von Bildern, Klängen, Farben, Texten, Designobjekten und verschiedenen Materialien, die er zu großformatigen Installationen, Videos, Performances, Künstlerbüchern und skulpturalen Elementen zusammengefügt. Die audiovisuelle Installation DDDD (Daily Dense Dance Desiderio) zeigte über ein Jahr hinweg im Genfer Bahnhof Champel den Pendler*innen der öffentlichen Verkehrsmittel täglich wechselnde Botschaften. Die 365 Botschaften, aus denen sich das Buch DDDD zusammensetzt, sind poetische Fragmente, die das alltägliche Leben widerspiegeln und vom Künstler und der künstlichen Intelligenz GPT-3 - damals die fortschrittlichste im Bereich der Texterkennung - gemeinsam verfasst wurden und der er beibrachte, seine eigene Sprache zu imitieren. Der Prozess des gemeinsamen Schreibens demonstriert die zwangsläufige Überschneidung zwischen dem Organischen und dem Anorganischen, dem Menschen und der Maschine. Die Gedichtsammlung wird begleitet von Installationsansichten des Kunstwerks im öffentlichen Raum, einer Einführung von Noa Merlini und Beatrice Sartori sowie einem Gespräch zwischen dem Künstler und dem Direktor des Centre d'Art Contemporain Genève, Andrea Bellini. Das Projekt wird unterstützt vom Italienischen Rat (2022), Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura.

Lokale Legenden und digitale Schöpfungen S.A Mayer (geb. 1988 in Arlington, VA., USA) lebt und arbeitet in Richmond, VA., USA) verwendet 3D-Rendering-Software, um Objekte in seinem Leben und seiner Umgebung neu zu gestalten und zu re-kontextualisieren. Die digitalen Bilder in Mayers jüngstem Projekt Sarxanoa bestehen aus mehreren sich überlagernden Erzählsträngen, die in Virginia spielen. Die theosophische Tradition wird mit der technikgetriebenen esoterischen Beratungskultur konfrontiert, die in den letzten Jahren aufgeblüht ist. Unterhaltungselektronik mutiert zu Totems, die das Zentrum einer Mythologie bilden, die lose auf den eigenwilligen spirituellen Praktiken der Mystiker Walter Russell und Edgar Cayce aus Virginia basiert. Die Arbeiten verdeutlichen einen transzendentalen Faden, der sich von der Folklore der Appalachen bis hin zu algorithmischen Vorhersagemodellen und dem Technobabble von Regierungsvertreter*innen zieht.   Local Legends and Digital Creations  S.A Mayer (b. 1988, Arlington, VA., USA; lives and works in Richmond, VA., USA) uses 3D rendering software to recreate and re-contextualize his real-life surroundings. In Mayer's latest project Sarxanoa , the digital images involve multiple overlaid narrative threads taking place in Virginia. Theosophical tradition is set against the tech-fueled esoteric consultant culture that has blossomed in recent years. Consumer electronics mutate into totems that form the center of a mythology loosely based on the idiosyncratic spiritual practices of Virginian mystics Walter Russell and Edgar Cayce. The works highlight a transcendental thread that runs from Appalachian folklore into algorithmic prediction models and government contractor technobabble.

Machtvolle Topografien Geschichte und Ortsbezug, Sprache und Raum sind die Parameter von Renate Herters Raum bezogenen Installationen und Interventionen, Klanginstallationen und textuellen Arbeiten. Die fotografische Arbeit mit dem eigenen Körper rückt in den letzten Jahren zunehmend in den Mittelpunkt ihres Schaffens. Sie zeigt den weiblichen Körper. Einen Körper, der altert, der alt ist. Fotografiert jenseits aller Romantik, zerlegt in Fragmente, zusammengefügt zu Montagen, die sich dem oberflächlichen Blick verweigern. Die Bearbeitung ihrer Ursprungsmotive schafft trotz der kompositorischen Strenge neue skulptural-poetische Bilder, welche die vertrauten Formen klassischer Aktfotografie sprengen, auf ironische Weise Körpergrenzen außer Kraft setzen und so eigengesetzliche Wirklichkeiten entwerfen. Ausgehend von der jüngsten Werkserie Eigensinnige Körper - Heimliche Territorien bietet Renate Herters neue, reich bebilderte Monografie KörperKlangRaum mit Texten von Kat Lawinia Gorska, Karin Scheel, Julia Wallner sowie einem Gespräch zwischen Ingrid Wagner und der Künstlerin eine Erkundung ihres Schaffens seit den 1980er-Jahren. Powerful Topographies History and places, language and spaces form the parameters of Renate Herter's installations, interventions, sound pieces, and textual works. In recent years, photographs of her own body have increasingly moved to the forefront of her work. She presents the female body as a body that is ageing, that has aged. Eschewing any kind of romanticism, she dissects it into fragments and reassembles it into montages that refuse a superficial view. Despite their compositional rigor, her reworkings of the original motifs create new, poetically sculptural images that go beyond the familiar forms of classical nude photography, ironically suspending bodily boundaries and thus creating realities of their own. Based on the most recent series of works Eigensinnige Körper - Heimliche Territorien, Renate Herter's new, richly illustrated monograph KörperKlangRaum offers an exploration of her work since the eighties with texts by Kat Lawinia Gorska, Karin Scheel, Julia Wallner, and a conversation between Ingrid Wagner and the artist.

Humorvolle Gäste im öffentlichen Raum Katharina Trudzinski (geb. 1977 in Aachen, lebt und arbeitet in Berlin) ist Bildhauerin. Ihre skulpturalen Installationen sind in auffälligen, fluoreszierenden Farben gestaltet und kombinieren physikalische Prinzipien geschickt mit humorvollen Gesten. Trudzinskis geometrische Formen erheben sich leuchtend aus einem Gullydeckel, biegen sich gegen einen heruntergelassenen Rollladen, strecken sich auf einer Bank aus, lehnen sich an einen Zaun oder wölben sich zwischen Betonpfeilern. Dabei scheinen ihre ästhetischen Lösungen als unerwartete Besucher*innen unserer Realität wie aus dem Nichts zu kommen. Die Publikation November Walk zeigt eine Serie von ephemeren Skulpturen im öffentlichen Raum und ist eine Einladung, mit der Künstlerin den Stadtraum zu durchlaufen und diesen durch ihre spielerischen und poetischen Interventionen immer wieder neu zu denken. Mit einem Essay des Kunstkritikers und Schriftstellers Kristian Vistrup Madsen.   Humorous Guests in Public Space Katharina Trudzinski (b. Aachen, 1977; lives and works in Berlin) is a sculptor. Her large sculptural installations--painted in bright fluorescent colors--carefully balance physical forces and humerous gestures. Trudzinski's geometric shapes rise brightly from a manhole cover, bend against a lowered shutter, stretch out on a bench, lean against a fence, or curve between concrete pillars. These aesthetic solutions appear to come as unexpected visitors to our reality out of nowhere. The publication November Walk unveils a series of ephemeral sculptures in public space. The artist invites us on a journey through urban landscapes, encouraging to reassess and rediscover these spaces through her playful and poetic interventions. With an essay by art critic and writer Kristian Vistrup Madsen.

Floating, Drifting - Die Ambivalenz der Fotografie Die Arbeiten von Berit Schneidereit (geb. 1988 in Frankfurt/Main, lebt und arbeitet in Düsseldorf) verwischen Grenzen und bewegen sich kontinuierlich zwischen verschiedenen Dualitäten: Farbe und Schwarz-Weiß, Fiktion und Dokumentation, Fotografie und Malerei, Positiv und Negativ. Schneidereit agiert mit einem breiten Spektrum an fotografischen Techniken, oft auf experimentelle Weise in der Dunkelkammer: Abstrakte Cyanotypien springen von Blau zu warmen Gelbtönen, die das Licht wieder in die Papierbögen eindringen lassen; hybride schwarz-weiße Belichtungen geben durch feine Rasterstrukturen die Sicht auf imaginäre Räume frei.  Das Künstlerinnenbuch walks, conversations ist aus einem Forschungsprojekt an der Königlichen Akademie der schönen Künste Antwerpen hervorgegangen und in Zusammenarbeit mit Bas Rogiers entstanden. Aufbauend auf Schneidereits Forschung zum Fragment als einem charakteristischen Element der Fotografie wird diese Thematik hier auf den Bereich des Buches erweitert. So entsteht ein Dialog zwischen verschiedenen Formen von Räumen und ihren Inhalten, der eine Bewegung des Blicks evoziert. Die Publikation konzentriert sich in erster Linie auf die künstlerische Methodik. Die analogen schwarz-weißen Teststreifen fangen den Arbeitsprozess in der Dunkelkammer und die unterschiedlichen Techniken ein, darunter auch die des Fotogramms. Mit Essays von Julika Bosch und Steven Humblet.   Floating, Drifting-The Ambivalence of Photography Berit Schneidereit's (b. Frankfurt/Main, 1988; lives and works in Düsseldorf) works blur boundaries and chart varied courses between sets of opposites: color and black-and-white, fiction and documentation, photography and painting, positive and negative. Schneidereit operates with a broad range of photographic techniques, often experimenting in the darkroom: abstract cyanotypes abruptly veer from blue into warm yellows that let the light filter back into the sheets; hybrid black-and-white exposures engender delicate grid structures that reveal glimpses of imaginary spaces. The artists' book walks, conversations is the fruit of a research project at the Royal Academy of Fine Arts and was created in collaboration with Bas Rogiers. Building on Schneidereit's research into the fragment as a characteristic element of photography, it extends this theme to the domain of the book. The result is a dialogue between different forms of spaces and their contents that evokes a movement of the gaze. The publication focuses primarily on the creative methodology. The analog black-and-white test strips capture the artist's process in the darkroom and the various techniques, including the making of photograms. With essays by Julika Bosch and Steven Humblet.

Gesuchte Störungen des polarisierten Lichts  Die Künstlerin Sandra Schlipkoeter (geb. 1979 in Solingen, lebt und arbeitet in Berlin) verwendet den Begriff der Interferenz als Oberbegriff für ihr umfangreiches Werk, das die Bereiche Malerei, Skulptur und Installation umfasst. An der Düsseldorfer Kunstakademie hat sie ihr Studium bei Professor Eberhard Havekost absolviert, der von essenzieller Bedeutung für die Entwicklung ihrer fotorealistischer Bildsprache ist. Seit 2012 stehen fotografisch erzeugte und malerisch reproduzierte Interferenzen des natürlichen und digitalen Lichts im Zentrum ihrer Arbeit, die sie in Ölgemälde, Cut-Outs aus gewebeartigen Strukturen und Installationen übersetzt. Indem sie mit den verschiedenen Erscheinungsformen des Lichts experimentiert und ihr Ausgangsmaterial wie Spiegelfolie oder Papier bisweilen zerschneidet, überlagert und dreht, schafft sie energiegeladene Bildwelten. Die Monografie  Interferenzen umfasst das Werk der letzten 10 Jahre und enthält Texte von Gisela Elbracht-Iglhaut und Thomas Kuhn sowie ein Gespräch zwischen Anna Matzek und der Künstlerin.   Deliberate Disruptions of Polarized Light The artist Sandra Schlipkoeter (b. Solingen, Germany, 1979; lives and works in Berlin) uses the concept of interference as an umbrella term for her extensive oeuvre, which spans the media of painting, sculpture, and installation art. She studied at the Düsseldorf Academy of Fine Art with Eberhard Havekost, who had a profound influence on her as she devised her own photorealistic visual language. Interferences of natural and digital light she engenders using photography and then reproduces by painterly means have been central to her work since 2012; she translates them into oil paintings, cut-outs made from fabric-like structures, and installations. Experimenting with the diverse manifestations of light and variously cutting up, superimposing, and contorting materials such as mirror foil or paper, she creates visual universes that brim with energy. The monograph Interferenzen presents her output of the past ten years. With essays by Gisela Elbracht-Iglhaut and Thomas Kuhn and a conversation with the artist by Anna Matzek.