Bøger udgivet af Arnoldsche

The ongoing photography series Eyes as Big as Plates by Karoline Hjorth and Riitta Ikonen studies personifications of nature and folkloric explanations of natural phenomena.

Represents a monograph on modern Norwegian photography since the 1970s. This book traces various developments that took place in the four movements in photography: Subjectivism, Abstraction, Post-Modernism and Photorealism. It also shows the influences Norwegian artists and photographers from other countries exerted on each other.

A ground-breaking monograph of Otto Kunzli, 'one of the most intelligent makers in the jewelry world and also one of the most sceptical.' (Ralph Turner, The New Jewelry, 1985/1994)

"Berlin Deko" ist der erste umfassende englischsprachige Überblick über das deutsche und mitteleuropäische Möbeldesign desfrühen 20. Jahrhunderts. In verschiedenen Essays und anhandzahlreicher Abbildungen wird gezeigt, dass es keine direkt lineare Stil-Entwicklung zwischen Jugendstil und Bauhaus gab. Mit einem besonderen Fokus auf den Zeitraum zwischen 1910 und 1930 wird ein vielfältiges Kontinuum von Stilen gezeigt und beschrieben, darunter auch das bislang übersehene "expressionistische Rokoko", das im Berlin der Zeit seine Blüte erlebte. Diese Publikation beleuchtet die zentrale Rolle Berlins als Zentrum für Möbel und Innenarchitektur, das internationale Künstler:innen anzog. Schlüsselfiguren wie Leo Nachtlicht, Oskar Kaufmann, Bruno Paul, Fritz August Breuhaus de Groot, Paul Thiersch, Emil Fahrenkamp, Eduard Pfeiffer und Lajos Kozma spielten eine wichtige Rolle. "Berlin Deko" feiert Berlins Erbe als kreatives Zentrum und enthüllt eine nuancierte Erzählung der deutschen Designgeschichte. Eine, die die Vielfalt, den individuellen Ausdruck im damaligen Design sowie den anhaltenden Einfluss Berlins als kreatives Zentrum würdigt.

Die Hannah Ryggen Triennale, organisiert vom Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum in Trondheim, Norwegen, würdigt die berühmte Textilkünstlerin Hannah Ryggen (1894-1970). Ryggen wurde bereits zu Lebzeiten für ihre kraftvollen, politischen Webarbeiten international anerkannt. Ihre humanistischen Werke berühren auch heute noch Menschen weltweit. Die Triennale beleuchtet zentrale Themen aus Ryggens Werk durch den Blickwinkel von zeitgenössischer Kunst und Kunsthandwerk. Diese vierte Ausgabe trägt den Titel "Mater" und widmet sich Ryggens Auseinandersetzung mit Mutterschaft und Materialit.t. In der Ausstellung und in der begleitenden Publikation soll erforscht werden, inwiefern Ryggens Arbeiten in der Natur verwurzelt sind und sie sich in traditionelle Handwerkskünste "hineingewebt" hat. So präsentiert die aktuelle Triennale zeitgenössische Künstler:innen, die Materialit.t aus einer ökologischen Perspektive betrachten oder die sich auf die Spurensuche nach den Vorfahrinnen der textilen Tradition begeben, um ihre individuelle und kulturelle Identit.t zu reflektieren.

Sie ist Transportmittel, nützliche Begleiterin, Statussymbol und Objekt der Begierde. Es gibt sie in unzähligen Ausführungen und für die verschiedensten Anlässe - sei es zum Einkaufen oder Reisen, für die Arbeit oder den Sport. Kein anderer Gegenstand ist stets zur Hand und trägt alles, was wir unterwegs benötigen: DIE TASCHE.Die vielseitige Publikation taucht in die europäische Kulturgeschichte der Tasche als weltweit verwendeter Gebrauchsgegenstand, Modeartikel und Luxusgut ein. Auf welches Modell dabei die Wahl fällt, verrät viel - spiegelt es doch Bedürfnisse, Stil und Persönlichkeit wider. Gesellschaftliche Entwicklungen, technischer Fortschritt und wechselnde Modetrends prägen das Design über Jahrhunderte hinweg bis heute.Über 200 Exponate aus drei Jahrtausenden - vom altägyptischen, Lederbeutel über mittelalterliche Gürteltaschen, erste Reisetaschen aus dem 19. Jahrhundert bis zu praktischen Rucksäcken, eleganten Handtaschen und Modellen namhafter Designerlabels wie Hermès, Louis Vuitton und Gucci - erzählen von einem der ältesten Accessoires der Menschheit.

From the mid-1740s on, imaginative depictions of mining scenes increasingly adorned vessels from the Meissen Royal Porcelain Manufactory. This publication explores the Middelschulte collection at the Deutsches Bergbau-Museum. Text in German.From the mid-1740s on, imaginative depictions of mining scenes increasingly adorned vessels from the Meissen Royal Porcelain Manufactory. Prior to this, sculptural depictions of mining folk can even be found on Böttger stoneware and Böttger porcelain—with artists George Fritzsche Sr (probably 1697–1756) and Johann Joachim Kaendler (1706–1775) later each dedicating a series to them. The unique combination of mining and porcelain also informed and inspired other manufactories in the German-speaking realm, for example in Berlin, Fürstenberg and Vienna. Achim and Beate Middelschulte have assembled what is probably the world’s most extensive collection of porcelain featuring the subject of mining. A significant selection of this has been transferred to a foundation and incorporated as a permanent loan into the collection at the Deutsches Bergbau-Museum Bochum (German Mining Museum in Bochum). An in-depth presentation of these pieces is now available in this publication. Text in German.

Welcome to a private tour of the home of American collector Susan Beech. Since 1991, Beech has been transforming her house in Tiburon, California, into an extraordinary environment, in which the themes of her extensive jewelry collection interact with craft and fine art, all against a backdrop of Art Deco glamour. Beauty is entwined with darker forces of death and decay, and glimpses of pleasure are complicated by a nod to the surreal and uncanny. The result is a wholly original and fascinating stage for a major collection of contemporary jewelry thoughtfully assembled over four decades.Lavishly illustrated and featuring four essays exploring Beech's activities as a collector and wearer as well as the key themes of her pieces, the publication Feast: Contemporary Jewelry from the Susan Beech Collection marks the donation of the collection to the Renwick Gallery, Smithsonian Museum of American Art, in Washington, DC, and the Museum of Arts and Design in New York City.

The publication Courtly Pleasures explores how porcelain figurines and miniature landscapes served as table decorations from the Baroque to early 19th century. Text in English and German.Scenes of gardens and of love, idyllic hunting parties, picturesque farms, and lifelike animal figurines in porcelain were popular motifs in table decoration from the Baroque to the beginning of the 19th century. These 'worlds in miniature' were intended to initiate conversation among the table guests - and of course attest to the discerning taste of the hosts. The decorative pieces were, for all intents and purposes, part of the furnishing scheme and finished off the room’s interior as a total work of art down to the last detail. Central to this was the artisanal sophistication and the perfect mastery of the latest techniques, which breathed new life into the miniatures. Following on from Courtly Companions: Pugs and Other Dogs in Porcelain and Faience, now Courtly Pleasures presents the most beautiful table decorations produced by a variety of manufacturers, all from the abundant treasures of a southwest German private collection. Text in English and German.

Warwick Freeman (geb. 1953) gilt weltweit als einer der einflussreichsten Schmuckkünstler der Gegenwart. In seinen Arbeiten erzählt er von seinem Leben, seiner Kultur, seiner Geschichte wie auch von der Geschichte Aotearoa Neuseelands und den einzigartigen Materialien dieses Landes - dem millimeterdicken Perlmutt der Perlmuschel, der irisierenden Innenhaut der P¿ua, einer Regenbogen-Abalone, oder dem Pounamu, einem Grünstein.Längst ist Freeman - der P¿keh¿, wie die M¿ori Nachfahren mit europäischen Wurzeln nennen - zum Mittler der Kulturen geworden. In den 1980er-Jahren gehörte er zu denjenigen, die die Welt des neuseeländischen Schmucks revolutionierten und zu einer einzigartigen, künstlerischen Sprache führten. Freeman entdeckt Formen, Symbole und Bilder, die die Kulturen der M¿ori, Polynesiens und Europas durch ihre emblematischen Bedeutungen kulturübergreifend verbinden - Hook. Hand. Heart. Star .

This publication examines the life and work of Stuttgart garden designer Gustav Adolf Wagner (1817–1893) and his contributions to 19th-century urban green spaces and landscapes. Text in German.This publication depicts the life and work of the Stuttgart garden designer Gustav Adolf Wagner (1817–1893), who in the second half of the 19th century adopted C.C.L. Hirschfeld’s and Ludwig Sckell’s new concepts of garden aesthetics and translated them into romantic park landscapes. His most significant works—which include the Stadtgarten in Stuttgart, the Faberpark near Nuremberg, and other public gardens in the City of Stuttgart such as Hasenberg, Karlshöhe, Feuersee, and Uhlandshöhe, which he supervised as the first garden inspector—are presented here in-depth for the very first time. Wagner’s gardens symbolize the need for public green spaces and urban park landscapes for an increasingly self-assured middle-class society. Numerous hitherto unpublished projects, for example from Wilhelm Neubert’s Schlüssel zur Bildenden Gartenkunst (1853) or from other contemporary sources, throw new light onto 19th-century garden landscape design and reintroduce the life and work of this unjustly forgotten garden designer. Text in German.

Szenen des alltäglichen Lebens, der Liebe, aber auch humorvolle, fast surreale Einblicke in die Londoner Brick Lane bietet dieser prächtige Fotoband. Heute ist die Brick Lane ein beliebtes Touristenziel, berühmt für Straßenkunst, Theater und bunte Marktstände.Davor war sie jahrhundertelang ein Knotenpunkt für Einwander:innen aus aller Welt, die über die nahe gelegenen Themse-Docks nach Großbritannien kamen. Sonya und David Newell-Smith, deren Karrieren im professionellen Fotojournalismus begannen, haben das sich verändernde Straßenbild und die lebhaften Persönlichkeiten dieses Viertels im East End über Jahrzehnte hinweg dokumentiert. Diese Publikation ist eine Hommage an ihre Leidenschaft für Street Photography, für das Einfangen des "entscheidenden Augenblicks" und für die Dokumentation des menschlichen Daseins, der verschiedenen Kulturen, ihres Miteinanders und der emotionalen Verbundenheit, die sich vor dem Objektiv entfalten. Wissenschaftliche und essayistische Beiträge begleiten die über 170 Fotografien, die Sonya in Erinnerung an David (1937-2017) kuratiert hat.

Robert Baines (geb. 1949) ist ein Meister seines Fachs - ein Goldschmied, dessen Werk Zeit und Tradition überschreitet. Gestützt auf seine umfangreichen Forschungen in der Archäometallurgie, verbindet er in seinen Arbeiten die Kunstfertigkeit und das technische Wissen der antiken griechischen und etruskischen Goldschmiede mit moderner Innovation. Seine Kreationen, durchdrungen von feinem, ironischem Humor und unvergleichlicher technischer Brillanz, fordern unsere Wahrnehmung heraus und ziehen uns damit in ihren Bann. In Plenitude lädt Baines die Leser:innen in seine Welt ein, in der antike Techniken wiederbelebt und neu interpretiert werden und in der die Mythologie gleichermaßen respektiert und spielerisch dekonstruiert wird. Dieses Buch ist mehr als nur eine Sammlung von Werken - es gewährt einen Einblick in die Gedankenwelt eines Goldschmieds, der Geschichte nicht als Relikt, sondern als lebendige Quelle fortwährender Inspiration betrachtet.

Wo Worte ihre Kraft und Bedeutung verlieren, kann die Kunst sprechen. Sie hat ihre eigenen Möglichkeiten, um Vielschichtigkeit sichtbar zu machen, Geschehenes zu kommentieren oder Gedanken zu verbinden. Das beweisen die 2024 mit dem Westerwaldpreis prämierten und im Rahmen der Preisvergabe ausgestellten keramischen Arbeiten einmal mehr auf vielfältige Weise.Während Irina Razumovskaya (geb. 1990, 1. Preis) durch ihre berührende Oberflächengestaltung Schmerz und Komplexität verbildlicht, erwachsen auf den skulpturalen Objekten von Nora Arrieta (geb. 1989, 2. Preis) märchenhafte oder gar apokalyptische Bildwelten. Bodil Manz (geb. 1943) erobert die Salzkeramik mit ihrem klaren, geometrisierenden Stil und kann damit den Preis der Stadt Höhr-Grenzhausen erringen. Für ihre mutigen, farbenfrohen Perspektiven in der Keramik wird Beate Gatschelhofer (geb. 1994) der Förderpreis verliehen.

This publication presents a round table discussion between authors within the field of design and art history about theRussian-Danish designer Boris Berlin's works, his challenges and innovative solutions, and development of materials and production methods, which all contribute to a future focused on sustainable design.Boris Berlin's practice is based on a deep understanding of art in a wider cultural context as well as the collaboration betweencraftsmanship, the intellectual, and the emotional. He thus works in these many different areas alongside architects, academics,artisans, and artists. This overarching perspective seeks to set thoughts in motion and initiate discussions about the actuality of contemporary design issues.

Tibetan Women's Jewelry describes the cultural history of Central Tibet told through traditional jewelry and trade from the17th century of the 5th Dalai Lama through the 14th Dalai Lama's 1959 exile to India. This art book presents ten distinctivestyles of women's relic boxes (Gaus), plus headdresses, ear pendants, shoulder chatelaines, and waist ornaments. The author's fascinating interviews with the last living Lhasa noblewomen and master goldsmiths reveal original names and how and when these beautiful treasures were worn. This innovative study establishes for the first time that jewelry styles changed with each Dalai Lama, setting an important dating precedent for all Tibetan collectibles. Meticulous research makes this the definitivescholarly publication on Tibetan jewelry.

Sculptor Martin Kargruber (b. 1965), from South Tyrol, Italy, forms each of his distinctive sculptural objects from a single piece of solid wood. He consciously uses the wood's natural properties and organic materiality in his architectural and landscape motifs, employing traditional techniques and interpreting them anewin extraordinary ways. He transforms the rigidity of the material into a seemingly gentle movement, incorporating the workmanship itself into an explicit part of the design. His representative motifs are characterized-above and beyond the formal concept-by intensive exploration into the reality of the living world and a high level of poetic abstraction.

Bruno Pedrosa (geb. 1955) ist einer der bekanntesten zeitgenössischen Künstler Brasiliens. Diese Monografie zeigt die Vielfalt seiner inzwischen 55 Jahre anhaltenden künstlerischen Reise, in der er sich mit verschiedenen Medien und Techniken von der Malerei bis zu Muranoglas, Zeichnungen, Schmuck, Webarbeiten und Skulpturen - auseinandergesetzt und mit einer Vielzahl von Materialien gearbeitet hat. Die Publikation bietet einen umfassenden Überblick über Pedrosas Expressivität und seinen formalen Reichtum, mit dem er sich nahtlos in das Gefüge der europäischen Kunstszene einfügt. Vom kühnen Duktus seiner Gemälde bis zur komplexen Schönheit seines Muranoglases spiegelt jedes Werk seine eklektische und charismatische Persönlichkeit wider und lädt Betrachter:innen in ein Reich ein, in dem der Fantasie keine Grenzen gesetzt sind.

This publication presents a round table discussion between authors within the field of design and art history about theRussian-Danish designer Boris Berlin's works, his challenges and innovative solutions, and development of materials and production methods, which all contribute to a future focused on sustainable design.Boris Berlin's practice is based on a deep understanding of art in a wider cultural context as well as the collaboration betweencraftsmanship, the intellectual, and the emotional. He thus works in these many different areas alongside architects, academics,artisans, and artists. This overarching perspective seeks to set thoughts in motion and initiate discussions about the actuality of contemporary design issues.

This outstanding jewelry collection of the Cologne Museum of Applied Arts (MAKK) will be showcased for the first time in a dedicated exhibition. Featuring cross-epochal and cross-cultural themes, the exhibition successfully presents diverse approaches to the art of jewelry-making. The photographs of around 370 objects and the accompanying descriptions demonstrate just how multifaceted jewelry design is. The social, societal, emotional, and symbolic aspects of jewelry are also evaluated and discussed in an essay by Beatriz Chadour-Sampson. The MAKK's jewelry collection of around 1,600 works spans a period of 7,000 years: from ancient oriental gems from the 5th millennium BC to contemporary jewelry. This is what makes this collection so unique and diverse.

All the World's a Stage grants an in-depth insight into the fascinating oeuvre of the Israeli artist Attai Chen (1979-2023). The four series of jewelry presented in the book take a poetical look at the perpetual becoming and passing of life and of things, reflecting the complexity of these existential themes, at times with humor, other times with foreboding. In 2022 the artist himself described it thus: "I was always fascinated by the endless cyclical flow of things, be they in nature or in the man-made world; the movement of growth aimed at the fleeting moment of its realization, the consummation of this moment, followed by decay and finally a new beginning."

The New York jewelry firm of Marcus & Co. (1892-1942) created exceptional examples of Art Nouveau and Art Deco jewelry for an art-loving, wealthy elite. Innovative in their collaboration with contemporary artists, and in their captivating window displays and advertisements, the firm captured the imagination of Gilded Age families such as the Rockefellers. This volume chronicles their story, from the founder's apprenticeship in Dresden to the firm's grand premises on Fifth Avenue neighboring Tiffany and Cartier. The triumphs and tragedies of three generations of Marcus jewelers, both artistic and entrepreneurial, are presented here together with exquisite jewelry and archival design drawings spanning fifty years.

Over the course of six decades, the American artist William Harper (b. 1944) has conjured a body of work unique in the realm of jewelry. Masterfully crafted in enamel and gold, his pieces explore multiple realms-from ancient mythology to personal iconography-and draw on influences such as African sculpture, medieval art, and modernist dance. Harper has nonetheless created an oeuvre that is instantly recognizable, branching into formats including paintings, ornamented casks, artist's books,and more.Bizarre Beauty, the definitive study of Harper and his work, includes a full biography by co-editor Glenn Adamson, as well asthematic essays and primary texts. A visual feast, the book provides an intimate look at this brilliantly imaginative artist.

Kindred Spirits showcases the remarkable flowering of Chinese-style ceramics that took place in Japan after the mid-19th century. For over a thousand years, Chinese ceramics have been admired and emulated in Japan. This book discusses for the first time how this artistic relationship evolved during the Meiji, Taisho, and early Showa eras. A selection of 100 works from the acclaimed Shen Zhai Collection demonstrates the range and quality of these ceramics, from elegant celadons to sophisticated underglaze blue porcelains. Detailed descriptions, makers' marks, and box inscriptions make this a valuable reference resource for collectors and art historians.

Elisabeth von Krogh (b. 1947) has been a prominent figure in the field of ceramics in Norway for several decades. Her works have been acquired by numerous Norwegian collections, and her artistic oeuvre is well-known even beyond the art world.Describing von Krogh's works without resorting to what are often deemed clich.s is challenging. How does one articulate that something is simultaneously playful and colorful yet serious and complex? The works' duality is their strength, and the term 'playful'- referring to a beneficial and civilized aspect of humanity- assumes a new dimension in her realm. Play, like ceramics, is one of the few arenas where both body and mind are simultaneously challenged.This is the first comprehensive monograph on Elisabeth von Krogh. A retrospective of the last fifty years that opens up to the prospective of playful utopian spaces.

After Glow documents the New Nordic Porcelain Forum, a project which focuses on the Nordic tradition of porcelain production. The focal point is the establishment of a collaboration between thirteen ceramic artists from the Scandinavian regions, who gathered for a residency in Denmark in 2019 and in 2021 for a two-week stay in various workshops associated with porcelain production in Norway, Sweden, and Finland.This publication not only serves as an exhibition catalogue; it also gives insights into the important industrial and design histories of northern Europe, as well as into today's use of porcelain as an artistic medium. In doing so, it is hoped that the production of Nordic contemporary ceramics will advance in a new collaborative praxis in order to transform and therefore preserve this important cultural heritage.